TOKiMONSTA: 新たなルーツを育む
幼い頃からクラシックピアノを習っていたJennifer Lee（別名TOKiMONSTA）は、周囲の期待に反抗するように、ロサンゼルスのオープンマイク・ワークショップ「Project Blowed」で活動するようになりました。その後、ゲーム会社で働いた後に音楽の道に専念することを決意し、Red Bull Music Academyを卒業。2010年にデビューEP『Cosmic Intoxication』を発表しました。そして、Flying Lotusが率いる影響力のあるレーベルBrainfeeder初の女性アーティストとして契約を果たし、フルアルバム『Midnight Menu』とEP『Creature Dreams』をリリース。瞬く間に高い評価を獲得しました。
しかし、2014年に命に関わる脳の疾患が発覚。手術後、失語症の症状に苦しみながらも奇跡的に回復し、2017年にはアルバム『Lune Rouge』でグラミー賞ノミネートを果たしました。その後もキャリアを築き続け、ヒップホップやダンスミュージックを自由に行き来する作品を次々と発表し、世界中の主要フェスティバルでパフォーマンスを行っています。そして、最新アルバム『Eternal Reverie』では、よりオーガニックなダンスミュージックにシフトしながら、サンバやソウルといった多彩な要素を取り入れています。
今回は、TOKiMONSTAにインタビューを行い、新作の制作プロセスやサウンドの進化、お気に入りのサンプリング手法、ライブパフォーマンス、キャリア構築、音楽のトレンドについて話を聞きました。さらに、彼女のスタジオから厳選したループ＆サウンドの無料ダウンロードも提供しています。
新作『Eternal Reverie』に集中するため、ライブ活動を休止していましたね。ツアーが続くことで音楽制作に支障が出ると感じましたか？
この考え方は、ここ数年で変わりました。以前は、ツアー中にクリエイティブになるのは不可能だと思っていました。ツアーはとにかくストレスが多く、空き時間は休むことやリフレッシュすることに費やしていたので、制作に時間を割く余裕がなかったんです。でも今は、少しずつバランスを取れるようになりました。ここ1〜2年は、毎週末のDJ出演を減らし、意識的に時間を作るようにしています。そうすることで、移動中でもインスピレーションが湧いたときにラップトップを開いてアイデアを書き留められるようになりました。そういう意味では、Abletonがあったおかげで、できるだけ速くアイデアを形にすることができるようになったと思います。
「音楽の流れは常に変わるので、今何が『奇抜』で、何が『普通』なのかなんて、誰にも分からないですよね。」
デビューアルバム『Midnight Menu』から現在に至るまで、サウンドが大きく変化しています。その理由は、制作プロセスを進化させてきたからでしょうか？ それとも新しい音楽スタイルを試したかったからでしょうか？
両方ですね。でも、一番大きな理由は、長年にわたってさまざまなスキルを身につけたことだと思います。15年前は、コンプレッションの仕組みすらよく分かっていなくて、とりあえずかけて「いい感じ！」と思っていたものの、トラックのダイナミクスが失われることに気づいていなかったんです。音楽プロデューサーとして成長するには、そういった学びのプロセスを経る必要があります。ただ、今振り返ると、『Midnight Menu』を作った当時の自分が持っていた純粋な感覚は、今よりも自由だったかもしれませんね。
ダンスミュージックのトレンドを追う必要があると感じますか？ それとも、気にしすぎるのは逆効果でしょうか？
自然と耳に入ってくるので、意識的に追うことはありません。フェスやクラブに行くと、他のアーティストがどんな音を作っているのかを知ることができますし、友人にも素晴らしいミュージシャンが多いので、情報が入ってくるんです。でも、競争意識というよりは、単純に音楽ファンとして楽しんでいますね。ただ、流行に流されるのではなく、「みんながBPMを上げているなら、私は遅くする」とか、「キラキラしたサウンドが流行っているなら、私はローファイな音作りをする」といった逆のアプローチを取ることが多いです。新作『Eternal Reverie』は、そんな「今のダンスミュージックへの反動」として生まれた作品ですね。
TOKiMONSTAというアーティスト名について、最初はただのスクリーンネームだったと話していましたが、時間が経つにつれて、その名前が持つ意味に影響を受けるようになったと感じますか？
意識的ではないですが、TOKiMONSTAの面白いところは、私が最初に音楽を発表したとき、誰もそれを完全に理解していなかったことですね。フェスやブッキング担当者が、私をダブステップのステージに入れたこともありましたが、私はダブステップを作っていませんでしたし、ヒップホップのステージに入れられたこともありましたが、完全にヒップホップというわけでもありませんでした。今でも、私は「型にはまらない存在」でありたいと思っています。TOKiMONSTAという名前は、リスクを冒すこと、奇抜であること、最先端であることを象徴しているのかもしれません。ただ、音楽の流れは常に変わるので、今何が「奇抜」か、何が「普通」なのかは誰にも分からないですよね。
新作『Eternal Reverie』では、どのようにサウンドを進化させましたか？
今作は、進化でもあり、逆に「退化」でもあると感じています。というのも、最近の音楽はあまりにも作り込みすぎていると感じるからです。もちろん、それが魅力でもあるのですが、私自身、無意識のうちにそちらへ流されていた部分もあって…。だからこそ、一度原点に立ち戻ろうと思いました。『Midnight Menu』や『Creature Dreams』を聴き直し、あの頃の自分に影響を受けるような感覚で制作しました。結果的に、ブレイクビーツやサンプルのカットアップが増え、よりダンサブルでアナログな質感を持った作品になったと思います。
クラシック音楽の教育が、作曲やプロダクションに役立ったと感じることはありますか？
ピアノのレッスンは正直好きではなかったんですが（笑）、受けることができたのは本当にありがたいことだったと思います。素晴らしい贈り物というか、特権ですよね！ まあ、母がちょっと厳しすぎたせいで、環境が違えばもっと楽しめたかもしれませんが…（笑）。
でも、その教育から学んだ最も大きなことは、「音楽は物語を語るもの」だということです。クラシック音楽には、意図的に繰り返されるパートがあって、ちゃんと「始まり、中間、終わり」がある。そして、ムードがすごく重要なんです。
自分が音楽を作り始めた頃は、ヒップホップのビートを作っていて、憧れのWu-Tang ClanのRZAみたいになりたいと思っていました。ただ、もっと感情を込めたかったんですよね。音楽でどこかへ連れて行くような感覚を作りたかった。そういうアプローチは、クラシック音楽から学んだことで、今でもAbletonでアレンジをするときにすごく意識しています。
Screenshot of “For You” - TOKiMONSTA’s collaboration with Kaelin Ellis
新作には多くのボーカルコラボレーションがありますが、最初から一緒にやりたいアーティストが決まっていたのでしょうか？
曲によりますね。ただ、過去に一緒に仕事をしたことがあるアーティストだとスムーズに進むことが多いです。例えば、ある曲を作っている最中に「これはGavin Turek向きだな」と思ったり、「この曲はAnderson .Paakとやれるかも」と考えることがあります。実はこのAndersonとの曲は、5年前に作っていたもので、当初はBrandonが自身のアルバムに入れる予定でしたが、コロナ禍の影響で最終的に私の作品に収録されることになったんです。他のコラボは、マネージメント経由の紹介や友人を通じて実現しました。Mezやgrouptherapy、Kaelin Ellisとはすぐに意気投合しましたね。特にKaelinとの出会いは面白くて、Spotifyのおすすめで彼の音楽を知り、Instagramをチェックしてみたら、本当に才能のあるプロデューサーだったので、すぐに連絡を取りました。
「Death by Disco Part Two」のために、レコードをサンプリングするためにブラジルへ飛んだんですか？
ええ、サンパウロでフェスに出演するために行ったんですが…確かLollapaloozaかPrimaveraだったと思います。でも、せっかくブラジルにいるなら、少し街を歩いてみようという話になって、友人とマネージャーと一緒に散策したんです。あまり時間はなかったんですが、道端で大量のレコードを並べたおじさんを見つけました。使い込まれた古いプレーヤーでレコードをかけていて、それがすごく味があってね。彼にとって、そのレコード一枚一枚が特別なものだっていうのが伝わってきました。
それに、私が自分の音楽にブラジルのサウンドを取り入れようとしていることを知って、とても喜んでくれました。そのレコードからサンプリングした音を、自分の楽曲に組み込んで、ブラジルの音楽と自分のスタイルを融合させることができたのは、本当に感動的な体験でしたね。
一般的に、サンプリングのファンですか？また、将来使えるサウンドを集めて、サンプルライブラリを作ることもありますか？
もちろんです。サンプリングは、私の音楽制作プロセスの一部としてずっと続けています。最初にレコードプレーヤーを手に入れたときからずっとそうですね。ロサンゼルスのダラーストアやフリーマーケットに行って、ひたすらレコードを漁り、何かループとして使えそうな音があればすぐに買って帰る。
ある意味、すごく管理的な作業ですよ。レコードを聴いて、ホーンのブレイクだったり、小さなジングルだったり、気になるフレーズを録音して分類していく。1枚のレコードから使えるサンプルが1つしか取れないこともありますが、それでも全然問題ありません。プロダクションを始める頃には、すでに大量のサンプルがライブラリに蓄積されているので、そこから自由にトラックに落とし込んでいけるんです。
フィールドレコーディングのファンだと聞きましたが、どのように活用していますか？
そうですね、フィールドレコーディングは大好きで、いつも小さなハンディレコーダーを持ち歩いています。ただ、場合によってはスマートフォンで録音するだけでも十分です。例えば、スネアのレイヤーとして使ってユニークなドラムサウンドを作ったり、雰囲気を加えるための音として活用したりします。今回のサンプルパックにも、シンクの水音を収録しています。これは、コーラスにドロップするだけで雰囲気を作れるサウンドですし、お気に入りのMax for Liveプラグイン「Spectral Blur」と組み合わせると、とても面白い効果が生まれます。
トラックの基盤を作る際に、どんな機材を使用することが多いですか？
私はたいてい、自宅のリビングのソファでアイデアを練るところから始めます。Abletonといくつかのサードパーティ製プラグインを使って作業しますが、最初からスムーズに取り掛かれるように、安全なテンプレートを作ってあります。Abletonを開くと、カスタムドラムキットがすぐに立ち上がるようになっていて、いくつかのキックやスネアを組み合わせてアイデアをスケッチできるようにしているんです。
時にはMIDIシンセを開いてコードを弾いてみて、その流れで曲を作っていくこともあれば、頭の中で鳴っているリズムから先に作り始めることもあります。それから、たまに自分へのチャレンジとして、普段作らないBPMのレンジで試してみることもあります。そのテンポでどんな音楽が生まれるのか、自分なりに実験してみるのが楽しいですね。
Abletonのどの機能が、音楽制作において特に重要だと感じますか？
インターフェースのデザインや、よく使うプラグインなどを教えてください。
私にとって一番重要なのは、サンプルのワーピング機能です。これは、本当にあらゆる場面で活用しています。レコードからサンプリングするときはもちろん、自分で録音した音を編集するときも、この機能のおかげで驚くほど自由に扱えます。Abletonのサンプリング処理、ピッチサンプリング、リサンプリングの精度は他のどのソフトよりも優れていますね。
例えば、私はギターがあまり得意ではないのですが、Abletonとクリエイティブなプロダクションのテクニックを駆使することで、自分でも「ギターがうまい」と思えるようなサウンドを作ることができるんです。これは本当に画期的で、音楽制作の幅を広げてくれる機能の一つです。
ライブパフォーマンスについてはどうですか？
ライブに関しても、Abletonは欠かせません。Coachella、Primavera、Sonarなど、どのフェスで演奏するときも、常にAbletonとMIDIコントローラーを使っています。リアルタイムでの操作性が優れているのはもちろんですが、何よりプロデューサーとしての思考を、パフォーマーとしての思考に変換する手助けをしてくれるところが大きいですね。
私はもともとDJ出身ではないので、クラブのDJのようにプレイするというよりは、作曲家やオーケストラの指揮者のような視点で音楽を捉えています。Abletonを使えば、自分の楽曲の要素を自由に組み替えたり、即興的に展開を変えたりしながら、オーディエンスを自分の思い描く「音楽の旅」に連れていくことができるんです。
ソフトウェア中心の制作から、ハードウェアにも興味を持つようになりましたね？
そうですね。時々、野心的な気持ちで機材を集めることもあれば、単純に「欲しいから買う」ということもあります（笑）。以前、モジュラーシンセを本気で組んでみたことがあるんですが、結局それで大量の音楽を作ることはなかったですね（笑）。
でも、リビングには実際のピアノが置いてあって、そこに座ってMIDIコントローラーでメロディを録音することもありますし、シンセを使ってAbletonに直接録音することもあります。家のあちこちに小さなドラムキットやドラムマシン、ポータブルサイズの機材が散らばっていますが、本格的な機材はすべてスタジオに置いています。
今回初めてミックスエンジニアを起用したそうですが、他の人に録音プロセスを任せるのは難しかったですか？
電子音楽のプロデューサーにとって、ミックスはその人の個性が大きく反映される部分です。たとえば、Skrillexのように「ザクザクとした」サウンドにするか、Bicepのようにダイナミックで洗練されたサウンドにするか、それぞれのプロデューサーによって特徴があります。私はずっと自分のサウンドに強いこだわりを持っていたので、そのビジョンを他の人に委ねるのは少し難しかったですね。もちろん、キックの鳴り具合に細かくこだわらなくて済む点は楽でしたが、特定の部分ではどうしても気になってしまい、オーストラリア在住のミックスエンジニアに何度もメッセージを送ってしまいました（笑）。今後はもう少し妥協できるようになりたいですが、私にとってミキシング作業は精神的にかなり負担が大きいんです。
成功を判断する基準は、売上ですか？それとも、自分のビジョン通りの作品が作れたという満足感ですか？
理想を言えば、完全に自分の満足度だけを基準にしたいですね。世界に向けて楽曲を発表するときに、それが自分のアーティスティックな声を反映しているかどうかが、一番大切なはずです。でも、音楽は私のキャリアでもあり、生活のための収入源でもあるので、実際にはどちらも重要です。うちの「ちょっとイカれた猫」と「とんでもなく食いしん坊な犬」のためにも、稼がないといけませんから（笑）。
ただ、どんなときでも一番大事なのは、アーティストとしての満足感だと自分に言い聞かせています。それを見失ったら、結局、音楽そのものがつまらなくなってしまうと思うんです。成功しているアーティストの「2番煎じ」「3番煎じ」「4番煎じ」が増えても、そんなものは必要ないし、もし自分のスタイルやメッセージを持っていなかったら、この業界では生き残れないでしょうね。
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文・インタビュー：Danny Turner
写真提供：アーティスト本人提供