Shapednoise: 一切の妥協も許さないこだわり
ダークなメタル、テクノ、ドラムンベースを志向するインダストリアル・ミュージックの信奉者であるイタリア生まれのNino Pedone （ニーノ・ペドーネ）は、2010年にエンジニアリングを学ぶためにミラノに移住し、テクノプロデューサーのAscionとD. CarboneとともにRepitch Recordingsを立ち上げた。この街の音楽文化に退屈したペドーネは、12ヵ月後にベルリンに拠点を移し、ミニマルテクノのEPをリリースしたり、インダストリアルテクノのデュオ、Violetshapedの結成を通して、制作のキャリアをスタートさせた。
2013年までに、ペドーネのサウンドはエクストリームノイズに傾倒し、『The Day of Revenge』や『Different Selves』といった耳をすり減らすようなLPでShapednoiseとしてデビューした。ノイズ、メタル、レイヴ、ハードコアの制御された衝突と謳われ、より広がりのある『Aesthesis』（2019年リリース）は、Godfleshの創設者であるJustin BroadrickとCoil/Psychic TVのDrew McDowallが参加したことで注目された。
ジャンルの液化に成功したShapednoiseの最新アルバム『Absurd Matter』は、さらなる実験を促す。Brodinski、David LynchのコラボレーターであるDean Hurley、Moor Mother、ニューヨークのラップ・デュオ、Armand Hammerとのコラボレーションで、ノイズ、アンダーグラウンド・ラップ、ラジオ・フレンドリーなフックを織り交ぜたペドーネの燃えるような迷宮は、アブストラクトとポップ・ミュージックカルチャーの境界線を曖昧にし、メインストリームにおけるノイズ・ミュージックの位置づけに疑問を投げかけている。
ダークでヘビーでアブストラクトなエレクトロニック・ミュージックを聴くようになったきっかけはありますか？
私は、過激でパワフルな音楽のエネルギーや、重低音に傾いたサウンドの身体性が好きだ。インダストリアル・ミュージックはもちろん、メタルやUKハードコアも聴いたし、テクノ、ジャングル、ドラムンベースへと移行していった。もちろん、アヴァンギャルドやノイズのような、必ずしもエレクトロニックではない同様の音楽もある。最初はドラムのリズムに魅了され、4、5年間ドラムを叩いていた。その後、DJのやり方を学ぶことに興味を持ち、キットを売って初めてターンテーブルとミキサーを購入した。まだBeatportや配信が始まる前のことだ。Pioneerから最初のCDJ-100が発売されたばかりで、レコードショップに何時間も通い、電話で新曲を聞かせてもらったこともいい思い出だ（笑）。
いつから自分の音楽、特にノイズミュージックを作りたいと思うようになったのですか？
ミラノで勉強していたとき、制作を始めようとしていた友人がいた。同じような音楽を聴いていたけれど、私はもっと探求的になりたかったし、自分のアイデンティティやサウンドの特徴を作り出せると感じるまでには2、3年かかった。テクノだけを聴いていると、多かれ少なかれテクノのような音楽になってしまう。一方、ジャズやロック、その他のジャンルを聴いていれば、テクノのレコードに影響を与えることができるものが増える。
あなたの最初のLP『The Day of Revenge』は、辛辣で不快と思うかもしれないサウンドに満ちている。このようなサウンドの探求に、どこまで挑戦しようとしているのですか？
この種の音楽は、最初に聴いたときはとても厳しいものになるというのは同感だ。特定のタイプの音楽は、その構成構造やリズムの背景を理解するのに時間がかかるが、聴けば聴くほど馴染んでくる。食べ物も同じで、いろいろなものを食べれば食べるほど味覚が洗練されていく。『The Day of Revenge』は、できるだけダイナミックに、特定の瞬間に静寂と戯れながら、いわゆる "旅行気分 "を味わえるようにした。John Cageは静寂と音響を彼の音楽に多用したが、彼のこだわりを発見し、私の音楽と組み合わせるのは興味深かった。
3枚目のアルバム『Aesthesis』に至るまでに、あなたはCoil/Psychic TVのDrew McDowallを含む他のアーティストとのコラボレーションを始めていました。彼はあなたが期待していたものを加えてくれたのですか、それとも予想外のものを求めていたのですか？
Drewとのリリースは、僕のDJセットに大きなインスピレーションを与えてくれた。ベルリンのCTMフェスティバルで、彼がエクスペリメンタル・グライム・プロデューサーのRabitと一緒に音楽を作っていた時に知り合って、3人で一緒にトラックを作れたらいいなと思ったんだ。僕は自分のプロセスに何か違う自発的なものを持ち込みたかったし、Drewは間違いなく僕のビジョンに個人的な何かを加えてくれた。
オープニング・トラック「Intriguing (In the End)」には、R&BボーカリストのMHYSAが参加している。珍しいスタイルの集合体ですが、過酷なメタリック・サウンドと女性ヴォーカルの両極を探求したかったのですか？
それこそが、MYHSAとの仕事を探していた理由だ。彼女のスタイルはノイジーで実験的なR&Bだけど、彼女のボーカルと僕の過激なサウンドとのコントラストがうまく機能すると思ったんだ。ポップミュージックを作るとき、普通はヴォーカルを中心に据えるところから始めるけど、MYHSAの場合はその逆で、そのプロセスにとても魅力を感じたんだ。また、彼女の声の加工方法がとてもテクニカルでありながらアナーキーで、大量のリバーブやクレイジーなエフェクトを使っているのがとても気に入っている。
ある期間、聴力を失ったわけだが、それが特に大音量の音楽を聴いたり、作ったりする習慣に関係したのではないでしょうか。
大音量で音楽を聴いているからそうなったと思われると、とても腹が立つ。メニエール病は通常、感染症やその他の全身疾患によって内耳に過剰な液体が溜まり、聴覚や平衡感覚に影響を及ぼす病気だ。私は左耳の突発性難聴で、低音域がほとんど聞こえませんでした。最良の治療は副腎皮質ステロイドか、私の場合は鼓膜に注射をすることがより効果的だったが、その処置はかなり危険と感じた。昨年11月、目を覚ますと、またしても左耳がほとんど聞こえなくなっていた。同じ治療を受けたが、今回は効果がなかった。しかし、徐々に回復し、音楽を作る能力に自信を持てるようになった。
そのような状況に心理的にどのように対処し、音楽制作のプロセスを見直す必要がありましたか？
聴こえるということは当たり前のことで、このような問題がないと、音楽を作る時間はいくらでもあると思ってしまい、気が向いたときにしか音楽を作らない傾向がある。この経験によって、私はもっと集中するようになり、できるときに音楽を作るだけでなく、完成させるようになった。私が作るような音楽では、低音域に集中する必要があるため、少し複雑になる。その結果、いつも以上にその方向に周波数帯域を押しやっていることに気づいた。
あなたの最新LP『Absurd Matter』では、『Family』、『Know Yourself』、『Poetry』といったトラックがラップとノイズ・ミュージックの融合を試みているように見えます。これらの異質な音楽形態をどのようにつなげようとしているのですか？
ラップ・ミュージックは常に私に影響を与え、近年は自分の音楽に取り入れたいと思っていた。『Aesthetis』以前は、ビートの一部にその影響が感じられたが、カオスでノイジーなサウンドだった。今は、作曲のアレンジがより直接的で構造化されているし、高度なサウンドデザインやクレイジーなサウンドスケープの中に、私の特徴的な音を聴くことができるのが気に入っている。しかし、年を重ねるにつれて、カオティックなノイズを作るという考えから離れたいという気持ちが強くなってきた。私はポップミュージックではなく、より構造化されたサウンドをプロデュースしたい。ヴォーカリストやラッパーと仕事をしたいのであれば、それを成功させるために自分が何をしているのかを本当に理解している必要がある。その結果、『Absurd Matter』はこれまでの私の作品とはまったく違うものになったと思う。
一緒に仕事をしたボーカリストには、トラックでどのように演奏してほしいか指導したのですか？
というのも、自分の音楽が、選んだアーティストとどのように組み合わされるかは、すでに分かっていたからだ。例えば、Armand HammerとMoor Motherは、ノイズやインダストリアルミュージックからの影響を受けた、ラップの実験的な側面を持っている。どのトラックがそれぞれに最適かを考えましたが、彼らが自由に表現できるようにすることも重要でした。Armand Hammerとの仕事は素晴らしかった。彼らはヴォーカルにエフェクトやディストーションを多用し、トラックの雰囲気にのめり込んでいたからね。彼らの作品を受け取ったとき、正気とは思えないサウンドだと思った。Moor Motherの場合は、最初のヴァースからフックに入るまでのトラックの構成の中で、彼らのヴォーカルを組み合わせるアイデアがあったので、もう少し編集する必要があった。
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※ Ableton Live 11 Suiteが必要です
音作りには主にハードウェア楽器を使っていますか？
何でも使うけど、Ableton Liveですべてをまとめている。多くの友人たちはアナログなスタジオで1テイクか2テイクのジャムセッションをしてトラックを作るけど、僕はその逆で、どうやってトラックを作り、アレンジし、進化させるかを考える時間が必要なんだ。加工、リサンプリング、ポストプロセッシングのために多くのソフトウェアを使う必要があるので、ライブテイクでは不可能なんだ。
そのプロセスをもう少し詳しく教えていただけますか？
私のスタジオには、ユーロラックモジュールやオシレーターベースのシンセサイザーなど、さまざまなアナログマシンがたくさんある。私は、これらの異種音源から音を集めて、Ableton Liveで開発したシステムに入れるのが好きなんだ。楽器ラックやインプットを自作し、それを使って音源を加工することで、自分のシグネチャー・サウンドとして認識できるテクスチャーを開発するんだ。様々なサウンドスケープを作るためにソフトウェアも使うが、私はどこから音が来ても自由に編集したり、切り刻んだり、自動化したりしたいので、すべてオーディオでリサンプリングする。
将来作るであろう楽曲のためにサウンドライブラリを作ることはありますか？
特定の瞬間に気に入ったサウンドがあっても、そのサウンドで何をすればいいのかわからないことがあるから、ライブラリに保存しているんだ。Ableton Liveを開くと、すべてのライブラリに膨大なサウンドデザインリソースのアーカイブがあって、それを使ってトラックを作ることができる。Savage Mindednessというトラックでは、実はとてもシンプルなAbletonのPackを使って、それをリサンプリングして加工したんだ。だから、無料のサンプルライブラリでも、フィールド・レコーディングでも、ユーロラックやドラムマシンでも、シンプルで入手可能なソースを使うのが好きなんだ。
『Absurd Matter』は比較的親しみやすい作品ですが、強烈で混沌としたサウンドデザインもたくさん残っています。特定のプラグインを使って音を加工しているのですか？
Ableton Liveのおかげで、自分の好きなように音楽を作ることができる。ある音を変形させてキックドラムを作りたいと思えば、そのためにはどの周波数が必要なのか、逆にどのように音を操作すればいいのかがわかる。あるアーティストが、音楽を作るために音を歪ませるときに何が起こっているのかを知る必要はない、と主張しているのを読んだことがある。ただ漫然と特定の方向に進むのではなく、自分がやっていることの背後にあるプロセスを理解することが本当に重要だと思います。
テキスト及びインタビュー：Danny Turner
写真提供：Leonardo Scotti