Laurel Halo：アルバム"Atlas"の制作秘話

Laurel Haloの音楽は良い意味で謎に満ちており、アンビエント、ジャズ、実験音楽、テクノ、アヴァンポップなどのジャンルのラベルに従って彼女の作品を分類しようとするのは必然的に不十分な作業となるようです。 過去15 年間にわたり、Hyperdubから複数のアルバムをリリースしたり、映画のサウンドトラックを制作したり、Moritz von Oswaldとのジャズ・トリオで演奏を行ったり、DJしたり、最近ではCalArtsで講師を務めたりする中で、自らの音楽人生を自分の手で定義づけてきたのです。

Haloの新しいアルバム 『Atlas』は、2023年の傑出したリリースの 1 つとして音楽メディアから賞賛されました。 高い評価を受けたのはもちろん、この5枚目のアルバムでは、ピアノ、チェロ、声、シンセ、文脈から切り離された音の断片などによって描かれる、変化する音の世界で再び批評家とリスナーの両方を魅了しました。 彼女の言葉を借りれば、“ジャズ マウンテンに登る” という新たな取り組みをアルバムの楽曲に反映させましたが、その多くのトラックはゲストミュージシャンの寛大な貢献によって強化されています。

複数のアーティストのパワーが合わさった結果、彼女ので最も微妙で複雑な（あえて言えば個人的な？）作品が生まれました。 今回、Zoomミーティングを通してLaurel に話を聞き、 アルバムの根底にあるテーマや、楽曲がどのように生まれたのか、そして彼女が進化のこの特定の時点で音楽制作という行為についてどのように考えているか伺いました。

アルバム 『Atlas』の根底にあるテーマや伝えたいことはありますか?

このアルバムを作曲する作業は、場所の感覚や周囲とのつながりを作り出すことでした。自分の中での身体的な拠り所も、感情的な部分も、比較的過渡的な状態でこのレコードを作りました。この中心的な目標には、夜の街で霧を目撃したり、夕暮れの森で迷ったり、山々を眺めたりするなど、さまざまな感覚的な印象が加わります。Italo Calvino、W.G. Sebald、Etel Adnanなどの作家や、Apichatpong Weerasekathulの特定の映画からインスピレーションを得ました。 『Atlas』というタイトルにたどり着くと、音楽が地図のコレクションのように聞こえるので、それは完全に理にかなっていました。ノスタルジックになりすぎずに思い出を作るようなものなのかもしれません。

このアルバムを作るのと、前作とでは何が違いましたか？ 過去の記録やプロジェクトからどのような実践を引き継いできましたか?

成功したかどうかは別として、このレコードは私がただ "美しい"ものを作ろうとした初めての作品でした。 また、ヴァイオリンとチェロを録音して、弦楽器を本格的に使ったのも初めてでした。 ジャズのハーモニーももっとオープンに取り入れてみました。 コラージュを使用したり、事前に作曲されたパートと即興パートを重ねたり、自虐的な量の減算 EQ を使用したりする過去の実践を引き継ぎました。

どこかのインタビューで、Atlasではサイケデリックなものを作りたいと言っていましたが、サイケデリアのアイデアをどのように解釈し、それをどのように表現するのが好きですか?

私にとって、サイケデリアという概念は、コントロールが効かない状態で平和になること、壊れて再び完全になること、そして存在と不在を同時に経験することと関係しています。 タイミングや流れの感覚' ハーモニーの進化、電子音源とアコースティック音源の融合・一体化など、それらの感情を楽曲で表現しようと試みました。

以前のソロリリースに存在していたジャズの影響 (例: 『Raw Silk Uncut Wood』- “Mercury") は、 Atlasではより明白に見えます。 あなたは近年、再結成されたMoritz von Oswaldのトリオにも参加しましたが、そのグループでのあなたの仕事とソロ作品の方向性の間には関連性’あると思いますか？

ジャズの山に登るプロセスはMoritzと仕事をする前から始まっていましたが、私はパンデミックに至るまでの数か月間とパンデミック中により真剣に取り組むようになり、Moritzのトリオ プロジェクトは確かにキーボードの探求と実験の肥沃な土壌のようなものでした。 私はまだピアノに関しては素人で、これからもまだまだ"山の麓"で鍛錬を続けることになると思いますが、習熟レベルに関係なく、やりがいがあります。  

アルバムでは多くのコラボレーターと協力しましたね。 他のアーティストとはどのように仕事上の関係を築いていますか?

良い質問をありがとう。主に、同じまたは似た音楽言語を話すことができる他のアーティストと仕事をするということです。アルバムに参加してくれたアーティストは全員、敏感なリスナーであり、クリエイターです。

アルバム内の音楽のどの程度が共同制作者と同じ部屋で録音されましたか?

Bendik Giske とJames Underwoodは、同じ部屋でそれぞれ個別にレコーディングを行いました。Coby SeyやLucy Railtonとの作業はリモートで行い、スクラッチの録音、音声メモ、電話、SMS、電子メールを通じてやり取りしました。

コラボレーターの方々はセッションミュージシャンの役割を果たしましたか？それとも音楽のアイデアを提供してくれましたか？その場合、例を挙げていただけますか？

私はどのような形や音色を作りたいのかという一般的なガイドラインを全員に伝えて、特定のパートではスクラッチボーカルやスクラッチバイオリンを作ることで、自分が求めていた特定のメロディーやテクスチャーを表現しました。 Lucyが演奏できるように私が専門的に書き写した部分もありました。 しかし、これらのガイドラインには解釈と即興の余地がたくさんありました。 例としては、James Underwoodにヴァイオリンのパートを歌ったものを渡して、それからそれを補強するためにピアノで弾いたとき、彼はビブラートやダイナミックなうねりの方にフォーカスしてしまったのですが、それは私がイメージしていたものとは違ったものの、そのままにすることにしました。なぜなら、これらのタッチが魔法を加えたからです。 また、Cobyが私が予想していなかったような声の抑揚を追加したり、私が表現できなかったテクスチャーや倍音をLucyが表現してみせたりすることもありました。

空間の感覚は動きの間でかなり劇的に変化します。一部のトラックでは、ピアノからヴァイオリンまでの物理的な距離が聞こえますが、アルバムのどのくらいの部分がマイクを備えた楽器を使用した従来のスタジオセットアップで録音され、その質感のどの程度が DAW のエフェクトを介して作成されたものなのでしょうか？

完全に電子音源とアコースティック音源の融合ですね。レコードを聴き返すと、時々それらがどこから来たのか忘れてしまいます。基本的にピアノ、ストリングス、ビブラフォンは生楽器を使っていますが、全体の雰囲気やハーモニーのパレットを司る音色には、VSTライブラリのストリングスやシンセ、サンプルも使われています。

『Belleville』では、アルバムの雰囲気が一気に変化し、より親密に感じられ、アルバム内で新しいスタートが切られるような印象を持ちますが、そこにはどのような意図がありましたか？また、どのようにしてその効果を再現しましたか？

『Belleville』は、アルバムの中盤、かなりディープな4曲の後に意図的に配置しました。 最大8～10個のステムで構成されるトラックの前に、30〜40以上のステムで構成されるトラックが配置されるのは理にかなっているように感じました。 おそらく、単に曲順のせいで、よりクローズアップで親密に聞こえるでしょう。 けれど、それはアレンジメントやプロダクションによっても同様かもしれません。 クローズドマイクで録った優しく演奏するピアノや、演奏のあらゆる親密なディテールが、圧縮と飽和によって爆発するのです。 おそらく、このアルバムの中で唯一ボーカルが含まれる瞬間であるため、親近感を高めているのかもしれません。

どこかのメディアで、このアルバムを書くのは足し算的なプロセスだったと述べていましたが、確かにそれがサウンドに現れていると思います。 要素の追加をストップするタイミングや、制作の完了をどうやって判断すれば良いのでしょうか？

トラックは決して"完成させる"ものではなく、ありのままを受け入れるものであるべきです。最後のミックスとマスターを聴いて、その音楽をそのまま受け入れられる、と十分に感じられればそれで良いと思います。

タイトル トラックの『Atlas』は、ピアノの演奏と弦のうねりでいっぱいで、楽器奏者として演奏するのに非常に満足のいくサウンドです。 しかし、これらの要素のそれぞれは、より広範な構成の中で奇妙に聞こえるのに十分なだけ処理され、汚されていますね。 作曲家として、調和しすぎたり予測しやすい要素を避けたり、隠したりするために意識的に努力していますか？

協和音と不協和音の関係、「正しく」聞こえる音と「間違って」聞こえる音の関係、または音の調子が合っているか外れているかの関係を考えるのはいつも興味深いものです。何らかの形の潜在的な"デプスチャージ"がなければ、音楽があまりにも調性的または子音的である場合、それは少し受動的すぎる、単調すぎる、または人工的になる可能性があります。同時に、和声的に複雑で、騒々しい音楽や無調の音楽は、夜明けやユーモア、軽やかさの感覚がなければ、鈍重すぎたり、理解しがたいものに聞こえることがあります。したがって、この2つの中間点を見つけるのは楽しい作業なんです。

このアルバムはライブパフォーマンスにどのように反映されると思いますか？ ステージ上で機能させるために行った変更に関して大きな決断を下す必要はありましたか？

Atlasのライブ ショーは通常、チェロ奏者で即興演奏家のLeila Bordreuilとのデュオで行われます。彼女はステージ上にいくつかの異なるマイクとアンプを準備しており、フィードバックのレイヤーを生成します。また、ピアノとサンプラーで演奏します。ピアノとチェロの両方をエフェクトペダルで処理し、デチューニング用のチェーンを多用しています。また、アルバムの各トラック間や、追加的に即興で演奏するピアノとテクスチャーのループも生成します。 『Belleville』と『Naked To The Light』はほぼそのまま演奏しますが、ライブ環境では、セット全体で行われるライブ即興の要素により、音楽は自然によりアクティブに聞こえます。

おそらく、この音楽をライブに翻訳する際の最大の問題の 1 つは、ライブショーをどの程度「小規模」にするか、「大規模」にするかということでした。なぜなら、この音楽が静かに聴かれることを意図しているのか、それとも大音量で聴かれることを意図しているのかがアルバム上では少し曖昧だからです。それはまた、Leilaがどのような音色や質感で演奏すべきかという問題でもありました。この比較的音数の多いレコードをライブフォーマットで解釈し、パフォーマンスの文脈の中で命を宿らせ、私にとってこのアルバムの中心である存在／不在のアイデアを引き出す試みは興味深いものでした。

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写真：Norrel Blair