FANGIRLS：ミュージカル・シアター成功の裏側と試練
Yve Blakeは、自分のパソコンでミュージカルを作曲したと公言し、多くの人々を驚かせました。しかし、その結果として生まれた作品『FANGIRLS』は、2019年に初演されて以来、劇場界で大きな話題となっています。クイーンズランドでの初演からシドニー・オペラハウス、最近ではロンドンのリリック・ハマースミス劇場まで、この「好きなものを純粋に愛する喜び」をテーマにしたミュージカルは確実に成功を収めています。
『FANGIRLS』を実際に観てみると、その成功の理由が明らかになります。この作品の核には、男性と女性のファンの熱狂に対するダブルスタンダードがあり、ポップ音楽を楽しむことやファンダムに参加することが罪悪感を伴うものではない、というメッセージが込められています。今回のインタビューでは、Blakeと音楽監督のDavid Muratoreが、Ableton Liveのデモから舞台上の名作に昇華させる過程での、繰り返しの挑戦について語ってくれました。
『FANGIRLS』の旅はどこから始まったのでしょうか？その発端の瞬間はありましたか？
YVE: 最初の段階では、自分を「劇作家」として認識していましたが、実は頭の中でこっそりと曲を書いている、楽器は演奏できないけれどミュージカルが大好きな人間でした。そして、友達のいとこの13歳の女の子に出会ったことが、私の人生を変えました。彼女は、自分が結婚する相手の名前がHarry Stylesだと自信満々に教えてくれました。そこから、One Directionのファンに興味を持ち、若い女性ファンの熱狂について世界が使う言葉に魅了されるようになりました。
なぜ、ティーンの女の子がポップコンサートで叫んでいる様子を「狂っている」や「ヒステリック」といった言葉で形容するのに、若い男性がスポーツイベントで叫んでいる姿を「献身的」「情熱的」と言うのか、その違いに疑問を持つようになったんです。そして、直感的に「これはミュージカルにしなければならない」と感じました。それも、ポップコンサートとレイブ、そして教会が一緒になったようなミュージカルに。14歳のときに初恋を経験する、その相手が自分を知らないという、あの巨大な感情を表現したかったんです。でも、それを音楽にするにはどうすればいいのか？と悩み、YouTubeで10代の男の子が自分の部屋でAbletonの使い方を教えているチュートリアルをたくさん見ました。
そのYouTubeのチュートリアルは、劇場を念頭に置いて作られたものではなかったと思います。その点で苦労しましたか？
YVE: 実際、私はリアルなポップミュージックのように聴こえるものを作りたかったんです。ポップ音楽の力を描いた物語ですから。それに、14歳の頃の初めての感情を思い出させるアドレナリンを感じたかったんです。だから、音楽の内容と同じく、形も一番ハイパーなポップサウンドにしたかった。そういった意味で、劇場のためのチュートリアルが少ないことはあまり気にしていませんでした。むしろ、ミュージカルのように聞こえるものを作りたくなかったんです。
楽曲制作のスタートからフィニッシュまでのプロセスについて教えてください。どのようなバージョンの曲を作る必要がありましたか？
YVE: まず私がDaveにデモを送るところから始まります。それはいつも複雑さが異なります。時にはメロディと簡単なドラムラインをビートボックスで作っただけのものだったり、時には50以上の楽器を使っているものだったりします。どちらにしても、Daveは私が提供したものをとても素晴らしく磨き上げてくれます。その後、いくつものバージョンを作成することになります。
DAVE: とてもダイナミックなプロセスです。最初はある地点から始まり、最終的にステージに到達するまでにいくつものチェックポイントを通過します。Yveとのスタジオでのやり取りを学びながら進化してきました。彼女はAbletonの知識が増え、自分のイメージをより直接的に表現できるようになりましたが、それでも、各楽曲で最低でも5つの異なるバージョンが必要になります。編集の量は計り知れません。それは、サウンドを選別する過程でもあり、音を作り出す過程でもあります。例えば、シーズンごとに曲をアップデートしていることもあり、「エッジが効いていて新しい」音を求めているからこそ、前例を探すのが難しい挑戦です。
YVE: Daveが言う通り、アルバムならすべての曲が新鮮でありながら統一感を持たせることが求められます。でもこの作品は長編の物語なので、メロディや特定の音が再び登場するようにして、異なる物語に関連付けています。現在、ショーには25曲ありますが、それらが常にまとまっているかどうかを確認しなければならないんです。エネルギーの流れを考慮しながら、全体と細部を両方とも見続けるのは大変な作業です。
そして、スタジオアルバムとしても曲を発表していますが、そこでさらに微調整が必要だったのでしょうか？
DAVE: すごく簡単だと思っていたんですよ。「よし、ミックスしたトラックがあるから、あとはボーカルを録って、ちょっと仕上げるだけだ」ってね。でも、それは間違いでした。大間違いでした。劇場では、3次元で考えています。後ろにスピーカーがあり、横にもスピーカーがあり、上手と下手にもスピーカーがあります。ボーカル用のPAがあり、遅延もある。つまり、360度で音を考えます。そしてそのすべてを2つのトラックに凝縮して、ステレオで出力し、360度の空間感を維持し、ポップコンサートのような雰囲気を作り上げるのは、私にとって最大のプロフェッショナルな挑戦でした。
YVE: さらに、ポップソングをミックスするのと同じように考えてみてください。でも、7人のソロシンガーがいて、トップラインを歌うわけではなく、ハーモニーを歌っています。その上に、シンセ、ドラム、さらには弦楽セクションやフレンチホルンもあります。Daveの作業量は途方もないものでした。しかもアルバムには23曲もあり、その間私たちはロックダウン中でした。非常に特別な時期でしたね。
シーズンごとに曲を変えたことはあっても、シーズン中に曲を変えたことはありますか？観客と向き合っているときに、「この部分、今の空間ではちょっと違うな」と感じて微調整することもあるのでしょうか？
YVE: 劇場では、初日の公演が終わるとプレビュー期間があり、その期間中はチケットが安く提供されます。その間に変更が可能ですが、オープニングナイトが終わると、ショーは「凍結される」と言われ、基本的にはそこで完成します。今はロンドン公演のリハーサル中ですが、ロンドンからオーストラリアにいるDaveに「キャストがあのバーのカウントインを聞けるようにしてほしい」と頻繁にメールを送ることが多いです。今、Daveが対処しなければならないことの多くは、ミュージカルの出演者がインイヤーモニターを使わないので、リズムを聞いて歌うだけでなく、本当にダンスするためにリズムを掴まなければならないという点です。
DAVE: そうです。この実用的な問題は非常に大きいです。私たちは、実用的でありながらクリエイティブな解決策を見つけなければなりません。今の私たちのキーワードは「ハンドレール」です。つまり、キャストにできるだけテンポを明示的に示すことで、ステージ上で全力でパフォーマンスし、歌を歌い、曲の中で自分の立ち位置を把握できるようにすることです。このような問題を解決するには、クリエイティブなアプローチを取りながら、それをトラックにうまく溶け込ませることが求められます。
YVE: その良い例として、アカペラのシーンで、俳優が自分のスタートノートを見つけるために、電話の呼び出し音をピッチ調整して、俳優が音を取れるようにしています。でも、誰もそれがそうだとは気づかないんです。あのシーンでは、アカペラの曲が始まるので、その音がなければ7人が自由なテンポでハーモニーを歌い出してしまうので、正確な音が必要なんです。
DAVE: そしてちょっとしたディテールですが、以前の電話音はGだったので、新しい音をDに変えなければなりませんでした！
カウントインやピッチ情報を曲の中に隠しているんですね？
YVE: そうです。Daveはその辺りが天才的で、巧妙なドラムフィルやビートを暗示するサイドチェインを使っています。本当に頭の良いアプローチです。
DAVE: そして、インイヤーモニターだけではありません。ツアーバンドはインイヤーミックスと、ステージ横でミックスを行うモニターエンジニアがいます。キャストはオンステージの小さなモニターから音を聞いていますが、それも音量が大きすぎるとフィードバックが起きてしまうので、少しの音しか出せません。
『FANGIRLS』の音響デザインも手がけているとのことですが、作成した音響効果について教えてください。
DAVE: 音響効果には多くの心理学が関わっています。特に大きなトリックとしては、Vocoderを使った方法があります。通常のVocoderでは、キャリアがノイズ、つまりホワイトノイズに設定されていますが、それを曲のトップラインに差し替えて、ノイズとつなげて圧縮し、サチュレーションをかけ、リバーブを加えると、まるで観客が歌詞を叫んでいるように聞こえるんです。これを複数のスピーカーから再生することで、本当に大勢の観客に囲まれているような感覚が生まれます。
大規模なコンサートでは、アーティストと観客の一体感が重要ですから、それを音響デザインで実現しているんですね。
DAVE: そうです。ちょっとした音のトリックですね。初代のサウンドデザイナーであるMikey Watersが、適切なPAのデザインを手伝ってくれたのが大きかったです。メインのPAはほぼ100%ボーカル用で、高音域をクリアに保つ必要があります。観客はエネルギーを感じる必要がありますが、歌詞を聞き取れなければ物語が伝わりません。なので、ボーカルがはっきりと届くようにして、エネルギーを低音域に入れ込むことで、観客の体全体が音を感じられるようにしています。
YVE: Daveが言っている通り、ミュージカルではどんなに小さな歌詞でも聞き取れる必要があって、それに例外はありません。観客が歌詞を聞き逃してしまうと、物語の流れが壊れてしまいます。だから、私は8年もの間、Daveに「ローパスフィルターをかけてください」と頼み続けてきました。ボーカルがスネアのパターンと競り合ってしまうと、それだけで台無しになってしまうんです。ポップサウンドを作りつつも、すべての歌詞が聞き取れるようにするのが、私たちが直面した最大の課題の一つでした。
DAVE: 私が誇りに思っていることの一つに、ゴーストボーカルを使った技術があります。ゴーストボーカルをマルチバンドコンプレッサーの高帯域にサイドチェインして、歌詞の周りでリアルタイムでディエッシングを行うんです。こうすることで、ボーカルが明瞭に響くようにしています。制約が多く、限られた空間と時間の中で情報量を詰め込むには、クリエイティブな方法が必要でした。このプロセスを通じて多くを学び、スピーカーとセットを使って空間で何ができるかという見方が変わりました。
このショーと媒体に特有の反復プロセスが、そうした発想を受け入れるのに役立ったのでしょうか？
DAVE: 最初の頃、私は自分のスキルが足りないと感じていました。「この大きなスピーカーから何が出てくるんだろう？」ってね。でも、ある時気づいたんです。「誰もが『これで十分だ』と言うことはない。自分を信じて、試して、修正していくしかない」と。とにかくやってみて、何かを学んで、またやり直すんです。最初のショーケースでキックドラムを使ったとき、50Hz以下の音がいっぱい含まれていることに気づいて、「サブウーファーを鳴らしすぎてるな」と理解したんです。それは自分の小さな5インチのモニターでは聞こえなかったことでした。それで、参照する音の方法を変えて、聴き方も変えました。PAから出てくる音は、トラックのすべての情報を教えてくれるので、それを無視することはできません。
YVE: ポップソングのプロデュースにどれだけの時間がかかるかを考えてみてください。それに加えて、私たちは『FANGIRLS』の5回目のバージョンを作っているんです。オーストラリアで3回のライブ公演を行い、ロンドンで2年前にワークショップを行い、今度はUKプレミアです。だから、ポップアルバムを作った後に、さらに4回もリメイクするチャンスがあるようなものです。ある意味では素晴らしいことですが、時々「8年前にこれをやったのに、またやるの？」と思うこともあります。しかし、私たちの作品を愛してくれる観客、特に若い人たちからの反応は本当に素晴らしいものでした。彼らの中には、キャラクターのコスプレをしてきたり、ショーに登場する架空のボーイバンドのサインを持ってくる人もいます。そんな観客の存在が、窓のないスタジオで何度も同じ8小節に取り組むことを乗り越える力になりました。
Yve Blakeの最新情報をチェック： アーティストサイト、 Instagram｜Fangirlsの公式サイト
テキストとインタビュー: Tom Cameron
写真: Manuel Harlan