Nadia Struiwighの新曲『Leelow Waters』のLiveセットをダウンロード
規範が優先されることが多い世界では、音楽をきちんと分類してさまざまなジャンルにラベル付けしなければならないというプレッシャーが、創造性を抑圧してしまうことがあります。 しかし、Nadia Struiwighのような多面的なアーティストにとって、こうしたプレッシャーは個性を主張することへの痛烈な警告となります。
Struiwighは、周囲の視覚的な手がかりや、自ら言う想像上のおとぎの国からインスピレーションを得て、優雅さを醸し出し、分類を拒む、繊細で折衷的な構成を作り出します。 テクノ、アンビエント、エレクトロなどジャンルを問わない彼女の作品は、実験的なエレクトロニカのユニークな融合として誕生し、Central Processing Unit、Nous’klaer Audio、Dekmantel などの名高いレーベルからリリースされています。
スタジオの外では、Struiwigh’のライブセットと DJ パフォーマンスは、感性とスタイルの全範囲を横断します。 テクノとドラムンベースの雰囲気が馴染みのある足場を提供し、すぐに彼女の独特な聴覚の風景の未知の領域へと引き込まれます。
XLR8Rとのパートナーシップで、Struiwigh氏に、独立したアーティストとしての彼女の人生、そして彼女の作品の根底にある技術的および哲学的概念について話を聞きました。 彼女の創作プロセスを垣間見るために、彼女は新曲 "Leelow Waters"のLiveセットも公開しました。
Nadia Struiwighの新曲『Leelow Waters』のLiveセットをダウンロード*
*利用するには、Live 12 Suite、もしくは無償体験版が必要になります。
【注意】本Liveセットおよび収録サンプルは教育利用のみを目的としており、商業目的での利用は一切認められておりません。
ナディア、今日は時間を割いてくれてありがとう。 あなたの経歴と、音楽制作の道に進むきっかけとなったものについて少し教えていただけますか?
すべては私がとても若い頃に始まったのです。 ただ曲を聴くだけではなく、自然に周波数を感知し、音楽のさまざまな要素を観察し始めました。 ほとんどの十代の若者と同じように、私もパーティーやレイブに通い始める段階に達しました。 ある時、レイヴしていたら突然誰かが聞いてきたんです。 “ねえ、私たちのパーティーでDJをやってみない？”って。 DJをやったことがなかったので、 “ええと、はい、もちろんですと答えました。” それからすぐに音楽を作り始めました。 当時の私のパートナーは、Reason がインストールされたラップトップを持っていました。 ベッドで膝の上にそれを置き、ヘッドフォンをつけてトラックを作り始めた瞬間を今でも覚えています。
それ以来、音楽を作り続ける動機は何だと思いますか?
’1週間音楽を作らないと、 自分自身を表現できていないような気がするんです。 ’ホリデーに入ると、多くの人にとって2週間も3週間も旅行するのは素晴らしいことなのに、私は超落ち着かなくなる。 私は創造する必要がある。 私にとっては、リリースすること、つまり他の人々とコミュニケーションを取る方法が必要なんです。 基本的に音楽を作ることが私の主な言語です。 自分を表現する必要がある場合、言葉を使うよりも、自分の気持ちを伝えるトラックを誰かに送るほうが良いです。
あなたの作品にインスピレーションを与えた他のアーティストは誰ですか?
私はEnyaとGenesisで育ったし、父からはDire Straitsの影響も受けました。 そういう音楽に囲まれて育つのはよかったです。なぜなら、音楽には魂があり、心から出てくるものだからです。 彼らは当時持っていた道具を使って音楽を作りました。 そして今、AIなどがあっても、そこまで到達することは決してできません。
その後、私はエレクトロニック音楽に目覚めました。 私は Aphex Twinの列車に乗ったんです。 私はBoards of Canada、Om Unit、Debridgeに夢中でした。 Clarkeは大きなインスピレーションを与えてくれました。 『Border Community』は私の人生における一つのエピソードのようでした。 そして、James Holdenの作品は私に大きなインスピレーションを与えました。 実験音楽は私たちが思っている以上に魂と深く結びついているということが分かりました。
あなたが今作っている音楽は実験的だと言えますか？
何年も前、親しい友人が私の音楽をエレクトロニック・ソウルと表現してくれました。 なので、そうだと思います。 でも、私はあらゆるジャンルの音楽を作ります。なぜなら、それらはすべて私たちの一部だと考えているからです。 自分を制限したくない。 例えば、ものすごくエネルギッシュな気分のとき、それをエネルギッシュなテクノ・トラックに変換することができる。 でも、テクノ・トラックを作ろうという目標が頭の中にあるっていう理由だけでは、5分もしないうちに、うまくいかないとわかってしまう。 昨晩、このようなことがあったので、アンビエントに切り替えたんですが、今までで最高の作品のひとつになりました。 本当の自分、そしてその瞬間に感じている自分;に本当に触れることができれば、自分がどんなジャンルを作りたいのかがはっきりとわかるはずです。
マルチジャンルのアーティストとして自分自身をマーケティングする上で、何か困難に直面していますか?
通常、それがテクノであれ、EDMであれ、何であれ、あるジャンルの刻印が押されれば、売りやすくなるんです。 しかし、そのようなことが起こるたびに、私は自分自身を奮い立たせて、「 いや、私はこれだけじゃない」って言い聞かせます。 ひとつのエネルギーだけに関わりたくないんです。 私は、自分の考えや信念を信頼するために、本当に懸命に頑張る必要がありました。
正式な音楽教育を受けたことはありますか?
いいえ。 でも若い頃は、曲を聴けば、どの音が何なのかもわからなくても、すぐにキーボードで演奏することができました。 “絶対音感”と呼ばれているので、簡単に音階に合わせることができます。 クラシックのトレーニングでも、どんなジャンルの学校教育でも、自分自身に働きかけ、表現するためのメソッドを提供してくれることに気づき始めました。 音楽を作るとき、私は強い感情を表現します。 たとえば昨夜は、自分が感じていることにとても敏感だったので、たった 30 分でアンビエント・トラックを作成しました。 だから、特定のツールやテクニックについてとは限らない。私たちが何を感じるかについてが重要なんです。 私が音楽を作るときに考えているのはそういうことです。 キックが必要だとか、あれが必要だとか、そういう個々の要素ではない。 エネルギーや周波数、そして使うパレットについてが重要なんです。 世界共通語ですね。
あなたの音楽キャリアをスタートさせた重要な瞬間や出来事を思い出せますか?
それがいつ起こったのか、今でも正確に覚えています。 それは2017年のことでした。 私は最初のアルバム、 Lenticularを制作していました。 Lenticularとは、物体を左から右に動かすと、その表面が異なって見える現象を指します。 光のクールな見方です。 ある側面から別の側面へとシフトすることで、違うものを見ることができるということを教えてくれるので、この概念が大好きでした。 これが人々が人生をどう捉えているかだと私は思います。 さまざまなフィルターがあります。 それがアルバムのコンセプトになりました。 とにかく、 Ninja Tune のADE ミートアップに持っていったのを覚えています。 私はデモドロップに参加した3人の女性のうちの1人でした。 私はとても恥ずかしかった。 彼らは私のデモをかけたのですが、私は「ああ、絶対ボロクソに言われるだろう」と思いました。 しかし、A&R 部門のピーターが私のところに来て、 “わあ、あなたは誰ですか? と言いました。 あなたの音楽は格別です、これからもそうし続けてください”って。 でもその後、レーベルに"リリースするのは本当に難しい。実験的な音楽は、ダンスミュージックよりもずっとマーケティングやプロモーションが必要だということを理解してもらわなければならないから"と言われたんです。幸運なことに、その頃、私の友人がCPU Records からリリースしていたんです。 CPUのChrisが、"これをリリースしようじゃないか"って言ってくれたんです。 私はソファの上で飛び跳ねながら、“これは本当に起こっていることなのか、それとも私が早すぎたのか？ いや、これは本当に起こったことなんだ！” って言ってました。当時、レーベルはとても勢いがあったから、アルバムはあらゆる方面に出回りました。 ウルフ・オブ・ウォールストリート の映画の俳優からも連絡があり、 “あなたの音楽は素晴らしい！ 演技するたびに毎日聴いてるよ"って言われました。 Ninja Tune の人にも、“あなたのレコードを買います”と言われました。
その後、物事は順調に進み始めました。 ブッキングが入り始めました。 しかし、その後4年間、私は重い病気にかかりました。 すべてをキャンセルしなければなりませんでした。 それはひどい時期でした。 私の人生は完全に変わり、友人も変わり、人生観も変わりました。 結局のところ、そうなってよかったと思っています。若い頃の私は音楽業界に対応できなかったから。 私は何に対しても「はい」と言っていたので、疲れ果てていました。 でも今、また波をつかんだと感じています。
あなたはずっとフルタイムで音楽を追求できる立場にいたのですか、それとも思い切って本職を辞めざるを得なくなったのですか?
多くの人が私にこれを尋ねます。 最も難しいことのひとつです。 私は音楽をやるために学校を辞めました。 私はすでにそのくらい熱心でした。 私はインテリアデザインと建築を勉強していましたが、提出したのは音楽付きのビデオのような2Dプロジェクトだけでした。 先生は、 “ナディア、こんなことをしたいのなら、この学校はあなたに向いていないと思うわ。”って言いました。
私は自分の創造力こそが自分の安全を守る手段だとわかっていたので、フリーランスになりました。 '自分の音楽でうまくいかなかったときは、それらを頼ることができた。 ウェブ開発者とデザイナーになる方法を独学で学び、今は執筆もしています。
私はグラフィックデザインと音楽のメールアドレスを分けていたのですが、 グラフィックデザインの受信箱よりも音楽の受信箱のほうが、より多くのメールが届いていることに気づきました。 自分の音楽が人気を集め、デザイン作業が減っていることに気づきました。
その後、パンデミックが発生し、私のショーはすべて消滅しました。 しかし、他のスキルに頼ることはできました。 オーストラリアに住んでいたとき、私は ブランドデザイナーとしてNikonで仕事を得ました 。 結局、私は本職を辞めました。 しかし、私の銀行口座にはお金がほとんどありませんでした。 だから私は自分自身に尋ねなければなりませんでした、 “OK、ナディア、どうするの？ お金を稼がなきゃ。” でも、私はそのような困難な瞬間であっても、信念を持って飛び込みました。
今年、長い旅の末、私は契約上縛られていたあらゆるものを手放すことができました。 今はただ自分のために働いています。 集中して自分を信じるだけで、たった2年でこんなに変わるなんてクレイジーですね。
あなたは音楽機材に対する情熱でも知られています。 それに影響を与えた要因は何でしたか?
私が子供の頃、父はテクノロジー業界で働いていました。 彼は様々な会社でかなり高い地位に就いていた。 父はいつも最新のガジェットを持って帰ってきていたので、私のDNAには技術オタクになるようにプログラムされていたのだと思います。 その後、Instagram は私が音楽機材への情熱を共有できるプラットフォームになりました。 私のアカウント は、知識を交換し、その周りにオンライン コミュニティを構築するにつれて、急速に成長しました。
Struiwighの機材への愛情は、彼女の膨大なハードウェアコレクションからも明らかである。
あなたが共有してくれたLoveセットを見てみましょう 。 この曲とそのタイトル、 "Leelow Waters"の背景にあるインスピレーション について教えてください。
音楽を作っているとき、私はしばしば、ある種のおとぎの国に浸っていることに気づきます — 私は現実世界に完全には存在していません。 私は希望と感動に満ちた生き物たちで満たされた自分の世界に住んでいます。 スター・ウォーズやロード・オブ・ザ・リング、SFファンタジーが大好きなんです。
"Leelow Waters" は、基本的に私が開発してきたファンタジー コンセプトの 1 つの章です。 これらの名前はすべて自然に突然頭に浮かびます。 私の頭の中に鮮明な絵画のように描かれるので、それだけで本を一冊書けるかもしれません。 基本的に、私は自分の音楽で風景全体を描いているんです。
“Leelow Waters”の制作には、何か特別な方法論が根底にあるのでしょうか?
私はこのプロジェクトを、ソフトウェアのスキルを再び磨く機会だと捉えました。 時々、箱の中で作業するのが好きです。箱の中で作業すると、さまざまな方法で創造力を発揮できます。 いつもはハードウェアの方が早いんだけど、全体的にこのトラックは違う形でまとまったんです。
ドラムラックはこのプロジェクトで重要な役割を果たしているようです。 そして、ニュアンスのあるヒット、ノイズ、テクスチャーを持つ興味深いキットを選んでいますね。
はい、私はよくAbleton Liveライブラリの中のドラムラック から音を使います。いつも一から作る必要はないと思っているので。 時々、ゼロから何かを作るのが好きです。 癒される気がします。 しかし、他の時には、ただ作曲したいだけなのです。 自分の魂に響く要素を見つけたい。そうすれば、すぐに取り掛かれる。 私は作曲がとても早い方だと思います。 私は絵を描くようなものだと思っている。 まずベースコートを塗り、その上に色を重ねていきます。
作曲中に創造的な壁にぶつかることはありますか？もしあるなら、どうやってそれを克服しますか？
私は引き算の力を強く信じています。 ループに陥るのではなく、構成を可能な限り充実させてから、一歩下がって、何かを削除したり追加したりする必要があるかどうかを評価します。 私のトラックは長い傾向があるため、Ableton Live でよく使用するもうひとつの機能は、 "タイムの削除" (CTRL/CMD + SHIFT + X)です。 大好きです。
あなたのトラックのドラムパターンは興味深いですね。 どこからインスピレーションを得たのですか?
ドラムを打ち込む方法はいくつかあります。 私は Push 3 をリピートモードに設定しているので、さまざまなヒットを繰り返してオーバーダビングできます。 そしてまた、最初はドラムパターンをフルに作って、良い感じになるまでいろいろと削除していくんです。
時には 気に入ったドラムループを MIDIに変換して、グルーヴを保ちながら自分のサウンドを使用することもできます。
時にはインスピレーションを得たいだけなのですが、それがAbleton Live 12 の好きなところです。 多くのアイデアを得ることができる新しい 生成 MIDI ツール があります。 以前は、マウスを使ってグリッド内のいくつかのノートをクリックして、ただ聞いていました。 しかし今は、この全く新しい機能の世界のおかげで、とても簡単になりました。
通常は、Push 3 で独自のフィンガードラミングを録音してパターンを構築しますか、それともステップシーケンスを使用することを好みますか?
このトラックでは、ドラムのほとんどを Push 3 でリアルタイムに演奏し、MIDI パターンを他のトラックにコピーしました。 DRUMS1とDRUMS2という私のプロジェクトのトラックを見てください。同じMIDIパートですが、ポリリズムのようなものを作るために異なるスタートポイントを選びました。
DRUMS2では、同じパターンでもサウンドが全然違うから、代替の音を使ったんです。 サンプルごとにアタックやリリースが異なるため、タイミングも変わります。 単に違ったグルーヴが生まれるだけです。 私はそんな風に遊ぶのが大好きです。
また、最初のドラムラックを見ると、C1セルが空になっているのがわかります。 ここがキックがあった場所です。 しかし、私はそれを別のチャネルにドラッグアンドドロップしました。 きれいにしたいので、常にキックを抽出します。 次に、コンプレッサーをかけて、ドラムキットの残りの部分に影響を与えずに音量を上げることができます。
StruiwighはMIDIドラム・パターンの開始点をオフセットすることでポリリズムを作り出す。
音楽制作プロセスの他の部分でも Push 3 を活用しましたか?
また、Massive X パッドなどでキーを演奏したり、オートメーションを記録したりするためにも使用しました。 また、トラックがライブでどのように機能するかを確認するためにも Push を使用します。 使用したいクリップや要素をすべて集めて、ライブ楽器として使用します。 これにより、リアルタイムでトラックを構築する方法を考えることができます。 その後、Liveのアレンジメント ビューに移動してアレンジしていきます。 また、Pushでスケールを探求するのも楽しいですね。先ほども言ったように、何がうまくいって何がうまくいかないかをリアルタイムで理解できるので。 クリック回数が減り、ハードウェアをより表現力豊かに、直感的に操作できるようになります。
StruiwighはPush 3を使ってビートとメロディーを演奏し、オートメーションを録音し、リアルタイムで曲の構成をスケッチする。
トラックには興味深い静的およびフィルタリングされたノイズ要素がいくつかあります。 そういったタイプのサウンドを作成するためにどのようなテクニックを使用していますか?
ノイズの特徴は、周波数スペクトルの大部分を占めることです。これにより、ループしすぎず、興味深いサウンドが得られるように感じます。 だからノイズテクスチャをよく使うんです。 ノイズに対処する方法は 2 つあると私は考えています。 ひとつは、'必ずしも識別可能なパターンが存在しない、完全なランダム性を受け入れること。 もう 1 つは、ノイズからパターンを作成し、パーカッションの一部のようにすることです。 このアプローチは、 Alva Notoなどのアーティストのトラックで聞くことができます。 彼は微妙なビープ音とニュアンスを使って、非常に構造化された感じのテクスチャを作成します。 私が今よくやっているのは、ノイズ要素をwavファイルとして 使うことです。 次に、Live の Beat warp アルゴリズムと Transient Envelope 機能を使用して、リズミカルなゲーティング効果を作成します。 私は、小さな音でさえ大きな影響を与えることができる範囲に魅了されています。
プロジェクトの多くのトラックでAuto Panエフェクトを使用していますが、その理由は何ですか？
はい、気に入っているのでいつも使っています。 考えてみれば、私たちは音を静的なものとして認識することはなく常に動いているんです。 たとえば、車が近づいてくる音が聞こえたら、その音は方向性があるということです。 私は人々のためにそのような体験を作り出すことを目指しています。 すべての音が静止したままだと、不自然な感じがします。 このアプローチはパッドの場合に特に適しています。 動きを加えると、海のようになり、波のようになります。 つまり、音の周波数だけでなく、空間における位置も重要なんです。 動きを作成するために、私はほとんどの場合、 Auto Pan エフェクトを使用します。 本当に使いやすいし、CPUをあまり食わない。 また、音に微妙な前後の動きを加えるため、Ping-Pong Delayも使用します。 すべてが中央にあると、周波数の大きな塊が 1 か所に集まるため、トラックをミックスダウンするのが難しくなります。
Struiwighはオートパンを使って音に方向性を持たせる。
クラブシステム用に音楽をデザインする場合、パンニングの余地はあまりないでしょう？
ですね。クラブ環境では、通常はすべてモノラルですから。 これが、私が常にモノラルでミックスをチェックする理由です。 それでも機能しているなら、それは良いミックスだとわかります。
Nadia、インタビューに応じていただきありがとうございます。 2024年の残りの期間にはどのようなことが待っていますか？
Leelow Watersがリリースする新しいレーベル、Distorted Wavesを立ち上げます。 ありがたいことに、これからたくさんのショーが予定されているので、夏は盛り上がるでしょう。 それから、私が作っている音楽学校で手を広げるつもりです。 私はすでにそれを実現させる過程にいます。 リリースに関しては、セカンドアルバムとたくさんのコラボレーションが実現することを期待しています。 今年は飛躍の年だと思うし、喜んで飛ぼうと思っている。
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文／インタビュー：Joseph Joyce
写真：Palma Llopis
本記事はXLR8Rにも別バージョンが掲載されています。