ディープテックのマスター：Riaz Dhanani
素晴らしい音楽を作る秘訣の一つは、ただ楽しむことであることは広く認められています。 北ロンドンの新星、リアズ・ダナニにとって、この哲学はハウスとテクノのシーンで急速に台頭するための礎となっている。 ディープテックのサブジャンルで独自の地位を確立したダナニのトラックは、VIVa Limited、Defected、Audio Rehabなどのレーベルからリリースされ、世界中のダンスフロアで響き渡るピークタイムのアンセムを作り上げることができる才能により、業界の大物アーティストたちから支持を集めています。
最近のインタビューで、ダナニは自身の創作プロセスについて語り、ヒット曲の裏にある制作の秘密を垣間見るという珍しい機会を与えてくれました。 彼は、ループ、プログラムされたパターン、リズムジェネレーターを複雑に組み合わせた独自のアプローチを掘り下げています。 しかし、彼の作品の技術的な側面にもかかわらず、ダナニは、プロセスを楽しく自発的に保ち、ワークフローに流れとインスピレーションをもたらすことの重要性を強調しています。 彼が明らかにしたように、これらの信条は彼の活気に満ちた伝染力のあるサウンドの核心です。
リアズ・ダナニをフィーチャーした人気曲
リアズさん、音楽の道を志したきっかけは何ですか？
私は10代後半からレコードのミックスを始めました。 いろんなジャンルを渡り歩いてきました。 最初はトランスだったけど、その後ガレージやドラムンベースに興味を持ち、最終的にはハウスにたどり着いた。 当時は、あちこちの小さなバーや小さなライブで演奏するのが楽しかったんです。 その後、ビッグ ルーム ハウスのサウンドに傾倒していきましたが、最終的にはスウェディッシュ ハウス マフィア風になってしまいました。あまりそういうのは感じませんでした。 そこで、自分が共感できる新しいサウンドを探し始め、ミニマルテック/ディープハウスのシーンに出会いました。 それはヨーロッパとアメリカの影響とイギリスのベースミュージックを融合させたロンドンサウンドのようでした。 私たちはそれをディープテックと呼びました。 そこらじゅうで日曜のパーティーシーンがあって、私はそれに夢中でした。 それはロンドンのクラブアクアリウムから始まりました。 ドアは真夜中に開き、400人ほどの人が入場を待っていました。 アレクシス・ラファエル、ジェイミー・ジョーンズ、リー・フォスのような人々がその先駆者でした。 同時に、多くの若いプロデューサーが Hot Creations のようなレーベルの初期のトラックを真似しようとしていましたが、うまくいきませんでした。 しかし、UKガレージのような他のジャンルのベースサウンドを無意識に取り入れていて、それが音楽に新たなひねりを加えてうまく機能しているように感じました。
私はこれらすべてに没頭しようとし、最終的に「Can't Stop, Won't Stop at the Aquarium」というグループの一員になりました。 それから、数年間あちこちで DJ をした後、私は気づきました。「これは本当にすごいことだ。」 これをもっと大きなクラブに持ち込みたいです。 どうすればそれが実現できるでしょうか？」 その時、友人が「プロデュースしなきゃ」と言いました。 私は数年間、制作に手を出していましたが、それは常に散発的なものであり、真剣に取り組んだことはありませんでした。 それで、ディープテックと呼ばれていたこの独特なアンダーグラウンドサウンドに取り組み始めました。 マーク・ラドフォードのレーベル、Audio Rehab からの最初のリリース「Dark Forest」は大きな反響を呼びました。 この曲はロンドンで大きな反響を呼び、多くの人に愛される有名な曲となった。 これを作ったとき、友達がドラムのバリエーションについて教えてくれたのを覚えています。彼は「16小節ごとにハットを変えなさい」と言っていました。 まだ制作の初期段階だったので、16 小節ごとに突然切り替わるのが聞こえて、とても面白かったです。 私はまだ勉強中でしたが、すぐにピンと来て、ロンドンの外にも活動を広げ、DJ セットを増やし始めました。
こんなに早くヒットを飛ばすなんて、音楽に対する天性の才能があるに違いない。 子供の頃に何か楽器の演奏を習いましたか?
若い頃、12歳から15歳くらいの頃、私はサックスを演奏していました。 しかし、それは両親が私に挑戦するように勧めてくれたことの一つでした。 あまり楽しくなかったので、しばらくすると、毎週レッスンに出席して、自分が熱意を持っていないことを学ばなければならないと強制されているように感じるようになりました。 結局、私はサックスをやめました。 10代後半になって、ドラムキットを手に入れ、それが私の趣味になりました。 数年間プレイしていましたが、毎週末レイブに行きたいと思ったのでやめました。
「Dark Forest」のリリースはあなたの音楽キャリアにおいて重要な瞬間だったと思いますか？
『ダーク・フォレスト』が発売された頃、私はすでにロンドンで活動していましたが、それでもまだ楽しい副業という感じでした。 2017年までに、テックハウスとガレージの要素を融合した新しいサウンドを開発し、「Hot Fuse」というトラックを制作しました。 VIVa Warriors のイベントで、偶然 Steve Lawlerの A&R マネージャーに会って、おしゃべりをしました。 数か月後、私は長い時間をかけて取り組んだデモを彼に送りました。 彼は、ローラーのレーベルであるVIVa Musicにトラックを契約させるのを手伝ってくれました。 「Hot Fuse」は象徴的なトラックのようになりました。 Marco Carola が Time Warp のような大きなイベントでこの曲を演奏していることを知り、特にイタリアで私の人気が急上昇しました。 この成功は私のキャリアにおいて大きな転機となりました。 マックス・チャップマンのような私のヒーローの何人かは、「君はオールドスクールのアーティスト全員がプレイする、本当にクールで目利きのテックハウスサウンドを見つけたね。それに新しいひねりが加えられている」と言っていました。 音を変えないでください！」 実は、Ableton Live のおかげで、「Hot Fuse」をこのようなサウンドにすることができたんです。
トラックの作成に役立った Ableton Live の特定の機能はありますか? それとも、いくつかの要素を組み合わせたのでしょうか?
誰かが私に マクロの使い方を教えてくれました。 その時、私は物事を結びつけることができることに気づき始めました。 「Hot Fuse」を聴いてみれば、私がこれまでにトラックでやったことの中で最も奇妙なことの一つが収録されていることがわかるでしょう。 マクロを使用して、ハイパス フィルター、フランジャー、ディレイ、フェイザーを一度に制御しました。 ブレイクダウンが来たとき、マクロノブを押し上げると低域が削除され、ビートが遅れてハイパスフィルターに消え、フランジャーで洗い流されてから再び落ち込みます。 最初は型破りすぎるかもしれないと思ったのですが、率直なフィードバックを求めて友人に送ったところ、「リアズ、これは違うよ、すごいよ！」と言ってくれました。 今でも、その曲の珍しい内訳についてコメントする人がいます。
マクロをそのように設定できるということは、DJ ミキサーでエフェクトを使ってパフォーマンスするのと似ているため、DJ の経験があるということなのかもしれません。
はい、まさにそれが私の趣味です。 私はミキサーのエフェクトにとても興味があります。 彼らと一緒にクールなことをやってみるのが好きです。
新しいトラックを作るときは、通常どこから始めますか?
私は通常、キック、ハット、そして拍手で始めます。 EQ をあまり調整する必要はなく、サウンドがしっかりしていることを確認するだけです。 これら 3 つの要素を取得したら、 お気に入りにタグ付けされたループ パックを調べ始めます。 さまざまなパックを入れるフォルダーがあり、キック、スネア、ハットの要素を完璧に組み合わせる素敵なループを探します。 そのトラックのために作られたように聞こえるループが見つかるまで、私は長い時間ループを試聴します。 私は止まりません。必要ならループを永遠に試聴し続けます。 何年も前に不注意でループを入れてしまうというミスを犯したため、セッション全体をそれだけに費やしてしまったことがあります。 今では、最初に作った音と本当に合うものを確実に見つけられるようにしています。
ダンスミュージックにおけるループやサンプルの使用については、特定のフォーラムで倫理的な議論が行われていますが、それについてあなたはどう思いますか?
私はパックからロイヤリティフリーのサンプルやループを使うのが好きです。 ハイハットなど、他の人のトラックの一部をサンプリングする人もいるかもしれませんが、私はそれに何の問題もないと思います。 個人的には、誰かのトラックからちょっとだけスネアを借りて、レイヤーとして使うこともあります。
しかし、今、私たちは新しいサンプリング方法を持っています。 若い世代はみんなAIを使っています。 これで、 LALAL.aiなどのプラットフォームを使用して、お気に入りのクラシック曲のステムを分割できるようになりました。 それはワームホールです。 これはサンプルを探すのに良い方法です。昔のレコードや、これまで見つけられなかったボーカル サンプルなど、何でも手に入れることができます。それをそのまま取り出したり、リフやドラムだけを取り出して抽出することもできます。 AI について私が最も気に入っていることの 1 つは、記録に残しても構わないのですが、トラックを分析する機能です。 たとえば、私の音楽界のヒーローたちがベースラインをどのように作成しているかを分析するためにこれを使います。 特定の要素を分離することで、そのテクニックや表記法をより深く理解することができます。 トラック内の他のレイヤーによってマスクされていると、何が起こっているのか実際には聞き取れないことがあるので、ノートの位置を把握するのに役立ちます。
トラックで使用するループの数は時間の経過とともに増加しましたか、それとも減少しましたか?
今は減っています。 「Hot Fuse」を作ったとき、私はまだループを多用していました。 私はそれらをうまく組み合わせる優れた耳を持っていました。 友達は私がループをたくさん使ったことに驚いていました。トラックがそれほど雑然としていないように聞こえるからです。」 トップループは 30 個くらいあったと思いますが、すごいですね。 後になって、トランジェントを変更し、一種の飽和感を作り出すために、たくさんのループをレイヤー化していたことに気付きました。 2 つのスネアを重ねると音が厚くなるのと同じように、トップ ループを追加するとトラックがまとまりやすくなります。 ループを重ねるとまとまりのあるサウンドが生まれることがわかりました。 問題は、これ以上簡素化したことはできないということでした。 その時点では、サチュレーターとパラレルディストーションを使用して大きなサウンドを作りながら、シンプルでよくプログラムされたものを作るほどの腕前はありませんでした。 サウンドを大きくするためにループを使用していましたが、実際には、並列ディストーションなどを使用するだけで、多くのループを必要とせずにそれを実現できます。
ループ内のパターンを連携させるために再プログラムする必要がありますか?
時々、音を切り刻んだり、動かしたりしますが、通常は、前述したように、キック、クラップ、ハット、そして少しのパーカッションから始め、すべて手動でプログラムします。 次に、プログラムしたビートをまとめるループを見つけます。 次に、スペースを埋めるために、上にさらにループを追加するかもしれません。 これは本当に悪い習慣だと思う人もいるかもしれないが、私にとっては、うまくいくことを何でもやるということなので、それで構わないと思っている。 ループをうまく組み合わせるには、トランジェント シェーピングも重要です。 トランジェント シェイパーについて学んだ後、サウンドを狭くタイトにしたり、長く持続させたりして、より良い流れを実現できることに気付きました。 ループをそのまま使うのではなく、さらに先へ進むことができます。
どのトランジェントシェイパーを使用していますか?
Waves の Smack Attack を強くお勧めします。これが私の定番になっています。 ループをミニマルかつタイトにサウンド化したい場合、これは最適です。 しかし、私の意見では、最高のトランジェント エンベロープは実際には Ableton Live にあります。 ワープ アルゴリズムで「ビート」を選択すると、右向きの小さな矢印が表示されます。 この矢印をクリックすると、トランジェント ループ モードがオフになります。 次に、 トランジェント エンベロープの持続時間を短くすると、驚くほどの効果が得られます。 この方法は、ループを正確に時間内に収めるのに最適です。
ループをオーディオ クリップとして操作するか、ループを切り刻んで MIDI として再シーケンスするか、どちらを好みますか?
今では、50/50 のプロセスです。 ループを見つけて、不要な部分を切り取ります。 以前は、ループ全体を使用していたため、扱いが煩雑でした。 今では、帽子の音など、かっこいい部分を選んで、それを使います。 オーディオを切り取って、その周りに MIDI でパーカッションを書きます。 私の MIDI 作品は主にパーカッションで、スネアやベースラインも少し入っています。 ベースループは使用しません。
それで、あなたは独自のベースパターンで演奏するのですか?
以前はベースループを切り取っていました。 私が高く評価しているイグレシアスというプロデューサーがいます。 彼は、キーがすべて揃った 5 つのベース ループをランダムに見つけ、それらを切り分けて組み合わせるというユニークな手法を持っています。 それはできないけど、キーボードは昔から得意なので、ベースラインを書くのは得意です。 私が主に使用しているシンセサイザーは、Roland SH-101 エミュレーターの TAL BassLine-101、Rob Papen の SubBoomBass、そして Predator です。
一部のループには、独自のタイミングとグルーブがすでに組み込まれています。 通常はこれを採用しますか、それとも量子化することを好みますか?
私が選択するループのほとんどはタイミング的には問題ありませんが、時々少しずれたり、グリッドから外れたりすることがあります。 ループが本当に気に入ったら、それをクオンタイズします。 トップループに素敵なコンガなどがある場合は、キーボードで CTRL+D を押してそれを 2 倍にすることがあります。 次に、各スライスの音量を調整して、グルーヴとタイミングにさらに影響を与えることができます。 ループがタイトに聞こえたら、トランジェント シェイピングを使用してヒットを非常に短くし、うまくフィットするようにします。
ループに満足し、すべてが連携して動作している場合は、MIDI の操作を開始し、追加する単一ヒットの配置があるかどうかを確認します。 望むスタイルに応じて、特定の場所に風変わりな帽子を置くこともあります。 これらの調整はより精密であり、シンコペーションを作成するのに役立ちます。 次にスネアを重ねます。 メインのスネアができたら、他のスネアを重ねて異なる音色を出すこともあります。 最後に、パーカッションで書き始めます。
パーカッションでは、通常どのように書きますか?
マウスを使って MIDI ノートを手動で書き込みます。 インスピレーションが必要な場合は、ランダムな MIDI ノートを生成する Rifferという VST を使用します。 リファーと一緒にサイコロを数回振って、何が出るか見てみましょう。 ただし、細かい作業はマウスで行うことを好みます。 準備が整ったら、ベースラインの作成を開始します。
ベースラインを書くときにも同様のテクニックを使っていますか?
私は、グリッドベースのレイアウトが従来のキーボードよりも使いやすいと感じているため、Push でベースを書くのが好きです。 Push ではさまざまな指の配置が可能なレイアウトになっているため、予想外のことも実行できます。 キーボードでは、ベースラインのリフを指で筋肉の記憶に基づいて弾く傾向がありますが、Push レイアウトでは新しいパターンやアイデアが生まれます。
私がアイデアを得るために時々使用する別のパターン ジェネレーターは、 Stingと呼ばれます。 これはアシッドベースラインを作成する Max for Live デバイスです。 スマイリー フェイスをクリックすると、最終的には、編集して独自のベース パターンを作成できるクールなベース パターンが得られる場合があります。 Sting を スケール MIDI エフェクトと一緒に使用して、任意のスケールに設定すると、無限のオプションが提供されます。 上下にポルタメントを追加し、素晴らしいパターンを生成します。
DhananiはPushを使って新しい興味深いベースラインリフを作成しています
さまざまなパターンを試しながら、ベースラインの調子を一定に保つにはどうすればよいでしょうか?
キーとスケール 機能は非常に便利です。この機能を有効にすると、ベースラインをプログラミングするときに、チューニングが維持されることがわかっているので、好きなだけ自由にジャム演奏できるからです。 3 音のベースラインの場合は、[Fold] を押すとスケール内の不要なキーがすべて削除され、必要な 3 つの音だけが表示されます。 こうすることで、たくさんのキーを所有して迷うことなく、交互に試すことができます。 私にとっては、それはプロセスを簡素化するようなものです。
あなたが作る音楽の種類に最も適していると思うキーやスケールはありますか?
面白い事実を一つお伝えしましょう。私が最初に始めたとき、音楽理論についての知識はあまりありませんでした。 ダンスミュージックのほとんどは通常マイナースケールで書かれていますが、私は約3年前まですべてをメジャースケールで書いていました。
以前、誰かのためにサンプル パックを作成したのですが、その人から「ベースラインがすべてメジャー ラインになっている。それはダメだ」と指摘されました。 私は「そうだね、私の一番有名な曲は全部メジャーで書かれているよ」と言いました。 それで彼らは「フェアプレーですね、いいですよ」と言ったんです。
私にとって、音楽を作ることに関しては厳格なルールはありません。 私はただ自分のやりたいことをして楽しんでいます。 作曲するときには音楽理論についてあまり心配しません。自由な姿勢で、創造力に導かれることを好みます。 私は何事にも目的なく取り組むわけではありませんが、他の多くの人のように厳格なルールに縛られることはありません。 ただ座って、楽しんで、グルーヴを作りたいだけなんです。 興奮してインスピレーションを感じたとき、それをトラックに変えます。
トラックの中で、さまざまなムードやエネルギーをどのように切り替えているのですか?
私はエネルギーを揺り動かすことに全力を注いでいます。私の主な焦点は、気分が良くなるピークタイムのトラックを作成することです。 時々、よりメランコリックな音楽を作ることの魅力も理解していますが、私は人々の気分を高揚させる曲を作ることの方が好きです。
かつて、ある人が私にこう言いました。「リアズ、あなたは本当に傲慢だ。 ピークタイムではないものをなぜ作れないのですか？」 しかし、その必要性は感じられません。 私は特定の目標を念頭に置いて作業に取り掛かるのではなく、創造力が自然に湧き出るままにしています。 私はモーツァルトのような音楽の天才であると主張しているわけではありませんし、インスピレーションの受け皿であると示唆しているわけでもありません。もっとも、彼はそう言っていましたが、そうではありませんか？ しかし、奇妙なことに、私は自分の本能に従っています。 「ピークタイムのトラックを作りたい」とは意識して考えないんです。 私はそれがもたらすエネルギーとポジティブさをただ楽しんでいます。 おそらくそれが、私が長調で曲を書く傾向がある理由です。私は、ポジティブさと幸福感を呼び起こす音に惹かれるのです。
最近はトラックを完成させるのにどれくらい時間がかかりますか?
今は1週間くらいです。 もっと速い人も知っています。 良いトラックをミックスして仕上げるには時間がかかります。 1年半前までは1か月かかっていたのが、今では丸1週間で素晴らしい曲を作れるようになりました。 曲作りにこんなに時間がかかるなら、プロデューサーとして成功できないだろうと思って、ストレスを感じていました。 でも、ある人が私にこう言いました。「そうだね。でも、君はすごい曲を作っているから、1曲が1年間も売れ続けるんだよ」
正直に言うと、最近は曲を作るスピードが上がっていますが、その分、平均的なものも多くなっています。でも、1ヶ月かけて1つの大作を作るより、1つの大作と3つの平均的な曲を作る方が精神的に楽です。以前、ベースラインを作るのに2週間かけたこともありました。完璧なベースラインを作るために8時間費やしたこともあります。友人たちは「もうこれでいいよ、リアズ」と言いますが、私は「これもいいけど、もっと特別な何かを見つけたらどうだろう」と考えます。それを聴いた時、応援してくれる人たちが大興奮するようなものを見つけたらどうでしょうか。その時が来たら、それがわかります。だから、時間をかけてでも良いものを作りたいんです。
私は「beat（上回る） the bassline」という方法を使っています。いいと思ったベースラインがあれば、それを2回上回ろうとします。たとえ4時間かけて探し回ることになっても、さらに良いものを2回見つけようとするのです。そうしてから、ようやく「これだ」と思えるものが見つかるのです。
かなり厳格な品質管理システムを導入しているようですね!
自分にはとても厳しいんです。ルールがあるわけではないのですが、すべてを自分のベストにしたいと思っています。最終的に「これが自分のベストだ」と思ったら、それが最高の出来です。それ以上は手を加えたくありません。「もっと頑張ればよかった」と後悔することはありません。自分の創造力を最大限に発揮したと分かっているからです。私の曲はどれも非常に正直です。それが私の全力です。これまで、「あまり気に入ってないけど、とりあえず出そう」と思ったことは一度もありません。
音楽制作者を目指す人たちにアドバイスを一つするとしたら、何を伝えますか?
楽しむことを忘れないでください。音楽を作ることは楽しいとよく言われますが、自分次第で楽しくなくしてしまうこともできます。本気でプロのプロデューサーやミュージシャンになりたいなら、自分自身を見つける必要があります。自分がどんな人間で、何に興味があり、何が自分にとってうまくいくのか、そしてそれが観客とどうつながるのかを理解することが大切です。
自分のためだけに何かを作ることもできますし、それは自分に関するものであるべきですが、自分の頭の中だけで考えすぎて、つながりのない何かをしていると、つながりを見つけるまで悲しい気持ちになるでしょう。 だから、あなたの聴衆を見つけ、あなた自身を見つけ、それを機能させ、楽しんでください。 なぜなら、楽しんでいないと、自分ではない何かになろうとするだけになってしまう可能性があるからです。 そんなことをしても何も得られませんよ。 自分に正直でいてください。
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文・インタビュー：Joseph Joyce
写真撮影: Perry Walsh