Ah! Kosmos & Hainbach: サイレンを響き鳴らせ
HP 8060A Word Generator (1970年代の無名な電気通信テスト機器) が、最初に Ah! Kosmos (Başak Günak) とHainbach (Stefan Goetsch) を引き合わせたものでした。 この驚くほど音楽的なハードウェアに対する共通の愛を共有するために集まった後、2人のその後のジャムセッションが最終的にデビュー LP "Blast Of Sirens"につながりました。
Stefanは、ツアー以外のときは、非常に人気のある自身の YouTube チャンネルのために、最も珍しいシンセサイザーのサンプルを探し求めています。一方、Başak は、映画作曲家であり、SónarやCTMのようなフェスティバルで演奏を行う人気のライブパフォーマーです。 また、James HoldenやJulia Holter などのアーティストをサポートしています。
彼らのデビュー LP は、宇宙的で泡立つエレクトロアコースティック、強力なシンセワーク、そして暗闇と光の間を漂う映画のようなアンビエンスを特徴としています。 制作期間中、二人はフィールドトリップに出かけ、非常に珍しい ARP 2500シンセサイザーと出会いました。 そしてこの楽器こそが本アルバムのトラックとサンプルに特別な風味を与えたのです。これらのサンプルは以下より無料でダウンロードを行うことができます。 本インタビューでは、2人のアーティストがデビューアルバムの作成プロセスを説明し、音の発見の旅についての洞察を語ってくれました。
Ah! Kosmos & HainbachによるARP 2500のドラムラックをダウンロードする
*Live 11 Suiteのライセンスまたは無料トライアルが必要です。
コラボレーションがどのように始まったのか教えていただけますか?
Stefan: 私たちは同じものが好きで、 Hewlett Packard HP 8006A Word Generatorに関する Instagram フィードで出会いました。 私も Başak もその 1 つを持っていて、二人とも、実験的な音楽を作ることができる音楽用ではない楽器を探すことにハマっています。 お互いが近くに住んでいることがわかった後、コーヒーを飲みに集まってスタジオセッションに行きました。 "Let's Play!”みたいな感じで、お互いに話し合って、スタジオにあるすべての機材を試してみました。 YouTube チャンネルを運営する利点の1つですね。 いろいろ試してみた結果が気に入ったので、集まり続けてセッションを続け、それがアルバム "Blast Of Sirens"の基礎となりました。
Başak: コーヒーセッションでは、主にオタクな話をしたりしていましたが、そのほとんどがスタジオ内のサウンドにまつわるトピックでした。 "へー、これってこんな音が出るんだ。 試しに録ってみるか、"みたいな。 音選びはとても簡単でした。 それから私たちはすぐにこれらのパーツをアレンジし始め、レイヤーを重ねていきました。 こんな感じのセッションを数回行った後、コーヒーを飲みながらトラックを一歩引いて考察し始め、アルバムという文脈の中でそれらがどのように連携するかを決めました。 トラックの"プール"を持つことが、より大きなプロセスでした。 そして、修正すべきアレンジがあるのかどうか、自問自答し始めました。 最終的にはあまり変更しすぎずに、レイヤーをいくつか追加するだけになりました。 場所を変えたり、曲に向かう距離を変えたりすることがとても助けになりました。
Stefan: "全体像" については、私たちはいつも Başakの元に行きました。 私のスタジオは "クリエイティブな遊び場" に近いので、"サウンドの面でアルバムをどの方向に進めたいか?" というようなことを考えるには、そっちの方が簡単に思えたんです。 私たちのスタジオは互いに遠くないので、すぐに場所を変更することが常に可能でした。 このようにして、音楽を作る創造的なプロセスと、レコーディングをどのように進めていくかを考えることを混同することも避けました。
あなたたちの最初のレコーディングはアルバムに収録されませんでしたよね。 この "ウォームアップ段階" は、共通の"芸術的な声'"を表現できるようになる前に必要ですか?
S: はい、絶対に。 だから、ジャムセッションのトラックを3つのカテゴリに分類しました。1つ目は気に入らなかったトラック、2つ目は、良いトラックではあるけどLPの文脈には合わなかったトラック、そして3つ目が、私たちが気に入っていてアルバムの文脈に適合したトラックです。 それが私たちにとって何を意味するのか理解するまでには時間がかかりましたが、 "Brute Heart" が、3番目のカテゴリーに属すると感じた最初のトラックだったことを覚えています。 このトラックには典型的な核となる要素が 2 つありました。 まず、Başakが演奏した通信ツールである、Axel Line シミュレーターからのサウンドです。 彼女はそこからこれらの小さなリズムを慎重に操作し、それを狂ったように編集しました。 私はどうにかしてこのリズミカルなサウンドの中でピアノコードを聞きとり、それを録音しました。 突然、私たちはお互いに "ああ、トラックが現れた！"と言いました。
B: 最初のトラックはインパクトに満ちていました。 フィールドレコーディングに基づいた、より"アンビエント" なサウンドのトラックは他にもありましたが、私たちが伝えたかったストーリーに貢献するという同じ意図があるとは思えませんでした。
レコーディングセッションが1年に渡って行われたことを考えると、サウンドの一貫性をどのように保ったのでしょうか？
B: ただ音楽を作るためだけに集まって、その後でアルバムについて話すのが一番うまくいきました。 そのおかげで、セッション中に LP の 5 番目のトラックがどのように聞こえるべきかについてストレスを感じることなく、私たち 2 人を "クリエイティブなサンドボックス" に保つことができました。 最初に書いて収集し、後で決定して概念化します。 そうすることで、自分たちがやっていることがどこかに当てはまるかどうかについてストレスを感じることがなくなりました。 私たちはただ、そこで自分たちの音楽の気分に浸っていました。 私たちは常に新しいトラックを制作していましたが、時間の経過とともに結束力が高まりました。 後から追加されたトラックもアルバムに含まれています。 トラックの選択と LP の実行順序に関する意思決定は、実際には最も困難な部分であり、数か月かかりました。
これらの決定を下す際に最も重要なことは何でしょうか?
B: 自分自身に正直になって、そのトラックが本当に好きで、充実していると感じるかどうか、自問する必要があります。 私のソロリリースでは、私が経験した状況や感情を反映したストーリーライン、または何らかの形で私に衝撃を与えるサウンドが必要です。 他の人と協力すると、トラックについてお互いにフィードバックを提供できるため、意思決定が容易になります。 もう 1 つの重要な要素は、二人のうち一方が好きでも、もう一方が納得いっていない特定の曲について、無理に推し進めないことでした。 共通点を見つけることが、良好なコラボレーションの鍵でした。
S: ある時点で、トラックがうまく連携するある種の "感覚" が得られます。 アルバムではまったく違う方向に進んでいた可能性もありました。 ある時点で、LP 全体がトラック "Davolia"のように聞こえ、70 年代のイタリアのホラーでかかるようなサウンドトラックの雰囲気が漂っていました。 それから私たちはお互いに、"これはこれでイケてるし、好きだけど、私たちが表現したいことではないね"と言い合ったんです。 存在しないはずの映画のためのサウンドトラックを作るのは違うな、って。 私たちは、たとえそれぞれの楽曲がオケで成り立つものだとしても、それぞれが自分の足で立てるような作品を必要としていました。
アルバムの最高の瞬間は二人が同じ楽器を演奏していたときに起こったと言っていましたよね。 それは単に同じ部屋で作業している 2 人のアーティストのエネルギーによるものなのでしょうか、それとも特定の楽器が秘めた魅力によるものなのでしょうか?
S：場合によるね。 たとえば、 Moog Sonic Six には MIDI がなく、ちゃんと修理もされてなくて、12か14のノートでしか演奏できなかったんだ。 だから、非常に正確である必要があり、一方がノブを回し、もう一方がキーボードを弾いているときにのみモジュレーションを実現できるってわけで。 人によって音が違ってくるんです。
B: 私たちのどちらかがお互いに気に入ったサウンドを演奏した場合、モジュレーションはもう一方の人間からパスされます。"このサウンドについてどう思う？"って。
"フロー"を失わないために、セットアップのどの要素が最も重要な役割を果たしましたか?
B: ソフトウェアは私にとって非常に重要でした。 私はいつもステファンの話を遮って、"オーケー、いいね、とりあえず編集しながら何か作ろう"って言ってました。
S: 私の普段のスタジオの使い方は、歩き回って音を出し、ステレオファイルを録音することです。 2トラック録音は悪いことではありませんが、今回のコラボレーションを通じて編集の可能性を改めて実感しました。 だから、セッション中に6つのトラックを同時にLiveに録音することで、物事を再び分割し始めたんだ。 非常に多くの音源が存在する中で、すべてをステレオファイルとして録音し、バスドラムを個別に編集できないのは愚かなことでしょう。
2人とも Live に慣れているので、スタジオ間でセッションを簡単に交換できました。 編集に関してはBaşakの方が私より早いです。 長い間、私はLiveを大きなテープマシンのように使っていましたが、今はその編集の可能性に再び魅力を感じています。
Başak, Liveでの編集とオートメーションに関して、 "do's and don'ts" （心得）は何かありますか？
B: トラックを分けることは、特にEQをかけたり、音量を変えたりするときにとても重要です。 意思決定とコーヒーブレイクの時間は十分に取りました。 その間、タイムラインをまったく同じ位置に保つことが、見失ったり、おかしくなったりしないために重要でした。 時計を使わなかったので、編集は比較的難しかったです。 すべてが独自の流れの中にあったけど、オフビートでした。
S:テスト機器のクロックは超高精度ですが、外部クロックは使いたくありませんでした。 "その代わりに、Liveの "Tap Tempo" 機能を使い、自分たちで、合ってるか確かめながら作業しました。 テープに録音した超ラウドでハッピーなサウンドが鳴り響いたかと思うと、ドロップアウトが現れて、なんだこれ？ でも良い感じじゃん、このままにしておくか" 、みたいな。私のスタジオでのワークフローのおかげで、そのような驚きに遭遇できたのはとてもうれしかったですが、最終的には、私たち個人の仕事のやり方の違いの間のバランスを見つけることでもありました。
Liveのどの要素を使い、他のソフトウエアはどのような役割を果たしましたか？
B: Stefanのスタジオでは、主にLiveの内蔵コンプレッサーとサチュレーション・ツールに頼り、ミキシング・プロセスにはINA-GRM ToolsとWaves、Slateのプラグインを使いました。
S：レコーディングにはAudio Thingで開発したプラグインも使いました。特に Noises と Wiresは、人によって使い方が少し違うと思います。 Başakは小さなトランジション・ノイズにWiresを好んで使いますが、 Ólafur Arnaldsによると、彼は主に個々のスネア・ドラムのヒットをわずかに異なる音にするために使っているそうです。 私はプラグインを、1970年代に使っていたハードウェアのワイヤーレコーダーをエコーとして使うような感覚で使っているんです。
レコーディング中、トラックをコンピューターに録音する際に気をつけたことは？
B: 私たちは、常に“オーディオ・エンジニアリングのルール“に忠実だったわけではありません。 信号が大きく録音されすぎても、問題ありませんでした。 スピードが必要なときは、iPhoneで録音することもありました。 内蔵のコンプレッションが、私たちのトラックによく合うこともありました。 私たちは、本の通りにやることを自分たちで制限したくなかったんです。 ミスを恐れていると、予期せぬことは起こらないし、時にはミスだと思ったことが素晴らしいサウンドになることもあります。
S:テスト機器を使っていると、奇妙なクロスモジュレーションが起きていないか確認するために、オシロスコープを見たくなります。 また、自然発生的な "ビープ音" は20KHz以上で起こ理、私たちには聞こえませんが、犬はパニックになります。 また、突然のDCオフセットが発生することがあります、そのために真空管ハイパスフィルターを用意しています。
オランダのデン・ボッシュへのフィールド・トリップについて聞かせてください。ウィレム・トゥイー・スタジオで、今では非常に貴重となったARP 2500を使って作業を行いましたね。 このシンセはエイフェックス・ツインやクラフトワークによって使用され、スティーブン・スピルバーグ映画のスコアにも使われました。
S: 最もフレキシブルなシンセではないけれど、このマシンは素晴らしい音がします。 マトリックス・スイッチを介して動作する16のモジュレーション・ルーティングがあるのみ。 2500はLPトラック（ "Sirens Between" ）で使用し、まだ選別すらできていない音源をたくさん録音しました。 たとえ大きなスペースが必要だとしても、何人かで演奏できるシンセサイザーであることは間違いない。
私たちはウィレム・トゥイー・スタジオで合計4日間レコーディングし、毎日他のスタジオを訪れて作業しました。 '例えば、ミニモーグをレコーディングする機会は今までなかったし、2台のARP 2600、EMS Synthi AKS、Sequential Circuits Prophet 5を手にすることができて嬉しかったです。
B: つい数日前、自分たちの曲をProphet 5で聴いたんですが、最高でした！ それに、ARP 2500で作業するのも好きでした。最近はなかなか出会えないからね。
"Blast Of Sirens"の制作に特に重要だったヴィンテージ・シンセは？
S: Moog Sonic Six はいくつかの曲で使用されましたが、非常に特別なものは、イタリアのモノシンセである Welson Syntex でした。 "Music Random"機能を使ってリズムを作った、かなり珍しいマシンです。 ボタンを押すと、Sample & Holdでフィルターとオシレーターのモジュレーションが始まります。 その結果、信じられないほど魅力的な "リキッド" グルーブが生まれ、これをトラック "Flares Up"に使用しました。 ほとんど誰も知らない非常に過小評価されているデバイスです。 まるでオルガンのようで、驚くほどワイルドで超生々しい音がするんです。
B: 私も Sonic Six の良さを知り、Synthi AKS に夢中になりました。
お二人にとって、ヴィンテージ・シンセサイザーの一番の魅力は何ですか？
S:私にとってはインターフェイスから始まります。 私には、いつか何らかの形で魅力的だと思うすべての電子楽器を演奏して、 "わかった、私はこの楽器を知っている、それがどんな感じか知っている"と言えるようになりたいという奇妙な野望があります。 通常、優れたインターフェースとサウンドの組み合わせが私にとってマシンを魅力的にします。 誰かと協力して演奏するという観点からすると、二人で同時に楽器を演奏できるのは間違いなくクールです。 私は Synthi AKS を所有していますが、これは一緒に演奏できる楽器の非常に良い例だと思います。これは、プリセットを選ぶよりもはるかに遊び心のあるアプローチです。 まったく異なるアイデアが得られますが、これは非常に重要です。
また、スタジオをMIDI化していないから、アルバムではMIDIを全く使っていません。 これにより、シーケンスされた要素に異なるタッチが与えられます。 そして、アナログシグナルチェーンには、歪みが影響する明らかなポイントがあります。まず、楽器自体だけでなく、サウンドを洗練するマスターバス上のミキサー、エフェクター、チューブ、コンプレッサーも含まれます。 デジタル領域でも可能ですが、それほど寛容ではありません。
B: もちろん、Minimoog や Prophet 5 のようなアナログ シンセには制限があるので、それに対処する必要があります。 しかし、たとえ数音でチューニングが外れても、トラックに特定の "何か"を与えることができます。 オートメーションでそれを真似するのは難しいです。
最後に少し的外れな質問ですが、 無人島に音楽を作ったり制作したりするために持っていく道具や楽器を 3 つ挙げてください。
B: 私にとってそれは、Ableton Live を備えたラップトップ、Synthi AKS、ギターです。
S: おそらく、Fluss を搭載した iPad です 。Bram Bos と一緒に開発したアプリなんですよ。 たまたまですが、私の YouTube チャンネル には、このセットアップとカシオ SK-1 サンプラーを使用して島で音楽を制作するビデオがあります。もっと珍しいものを選ぶなら、カシオの代わりにヤマハのVSS-30を選びます。 メインとなるのは、ある種のローファイ サンプラーと Synthi AKS です。 そうすれば、残りの機材を売って、それで好きな音楽を作ることができる（笑）。