Téléchargez le Live Set du nouveau morceau de Nadia Struiwigh, Leelow Waters

Dans un monde où règne souvent la conformité, la pression populaire qui vise à compartimenter notre musique dans des genres distincts peut parfois être un frein à la créativité. Cependant, pour des artistes aussi polyvalents que Nadia Struiwigh, ces contraintes deviennent des rappels puissants de l'importance de développer leur unicité.

Nadia Struiwigh s'inspire des éléments visuels de son environnement et des mondes enchantés qu'elle s’imagine, pour créer des compositions foisonnantes qui rayonnent d'élégance et résistent à toute classification simpliste. Sa musique, qui flotte librement entre techno, ambient et électro, se distingue par un style d'électronique expérimentale unique, reconnu et célébré par des labels de renom tels que Central Processing Unit, Nous’klaer Audio, et Dekmantel.

Au-delà du studio, les performances live et les sets de DJ de Struiwigh explorent toute une gamme de sensibilités et de styles. Les teintes de techno et de drum and bass servent de points d'ancrage familiers qui nous amènent rapidement vers des territoires sonores encore inexplorés.

En collaboration avec XLR8R, nous avons discuté avec Struiwigh de sa vie en tant qu'artiste indépendante, explorant les fondements techniques et philosophiques de son œuvre. Elle a également partagé un aperçu de son processus créatif avec le live set de son dernier titre, "Leelow Waters".

Téléchargez le Live Set du morceau « Leelow Waters » de Nadia Struiwigh ici*

Nécessite une licence Live 12 Suite ou l'essai gratuit.

*Veuillez noter : Ce Live Set et les samples inclus sont uniquement à des fins éducatives et ne peuvent pas être utilisés à des fins commerciales.

Merci d'avoir pris le temps de discuter avec nous aujourd'hui, Nadia. Peux-tu nous parler un peu de ce qui a inspiré ton parcours dans la création musicale ?

Bien sûr, tout a commencé assez jeune. Au lieu de simplement écouter des chansons, je ressentais instinctivement les fréquences et je me mettais à analyser les différents éléments musicaux. Comme beaucoup d'adolescents, j'ai vécu cette période où j'ai commencé à fréquenter les soirées et les raves. Un jour, pendant une fête, quelqu'un m'a demandé si je voulais bien jouer en tant que DJ. Je n'avais jamais fait ça, alors j'ai répondu : “Euh, oui, pourquoi pas.“ Peu après, j'ai commencé à faire de la musique. Mon compagnon de l'époque avait un ordinateur équipé du logiciel Reason. Je me souviens encore de ce moment où je me suis assise dans le lit avec cet ordinateur sur les genoux, mes écouteurs sur les oreilles, en train de composer un morceau.

Qu'est-ce qui te motive à continuer de créer de la musique ?

Si je ne fais pas de musique pendant une semaine, je me sens comme si je n'avais pas pu m'exprimer. C'est comme partir en vacances ; pour beaucoup, c'est fantastique de s'évader deux ou trois semaines, mais moi, ça me rend nerveuse. J'ai besoin de créer. C'est vital pour moi, un exutoire, un moyen de communiquer avec les autres. La musique est en fait mon langage principal. Si je dois exprimer quelque chose, envoyer un morceau à quelqu'un pour lui dire ce que je ressens est bien plus efficace que les mots.

Quels autres artistes ont inspiré ton travail ?

J'ai grandi en écoutant Enya, Genesis et Dire Straits, que mon père aimait beaucoup. C'était enrichissant d'être entourée par ce type de musique qui avait une âme, qui venait du cœur. Ils utilisaient les outils disponibles à l'époque. Aujourd'hui, même avec l'intelligence artificielle et tout ce qui s'ensuit, on ne peut pas tout atteindre.

Plus tard, je me suis intéressée à d'autres styles de musique électronique. J'ai découvert Aphex Twin, je suis devenue une fan de Boards of Canada, Om Unit et Debridge. Clark a aussi été une grande source d'inspiration. Border Community a représenté une période importante de ma vie. Et James Holden a beaucoup influencé mon approche de la musique. Il m'a montré que la musique expérimentale est bien plus connectée à l'âme que nous ne le pensons.

Comment décririez-vous la musique que tu crées aujourd'hui ?

Il y a quelques années, un bon ami a qualifié ma musique d’ “âme électronique“. Je pense que c'est exactement ça. Mais je touche à tous les genres parce que je pense qu'ils font tous partie de notre identité. Je ne veux pas me limiter. Si je me sens très énergique, cela peut se traduire par un morceau de techno dynamique. Mais si je tente de composer un morceau de techno juste pour atteindre un objectif, je sais en cinq minutes que ça ne marchera pas. Ça m'est arrivé hier soir ; j'ai donc opté pour de l'ambient, et ça a donné l'une des meilleures compositions que j'ai jamais réalisées. Si vous parvenez à vous connecter réellement à votre moi intérieur et à ce que vous ressentez à ce moment-là, vous saurez instinctivement quel genre musical explorer.

Est-ce difficile de se présenter comme une artiste multi-genre ?

Habituellement, quand on vous catalogue dans un genre spécifique, que ce soit la techno, l'EDM ou autre, il est plus facile de se vendre. Cependant, chaque fois que je me retrouve étiquetée, je prends du recul et je dis : “Non, ce n'est pas tout ce que je suis.“ Je refuse d'être réduite à un seul type d'énergie. J'ai dû travailler très dur pour rester fidèle à mes propres convictions et à ma vision afin de pouvoir faire cela.

As-tu reçu une formation musicale formelle ?

Non, mais depuis mon enfance, si j'entendais une mélodie, je pouvais la reproduire immédiatement au clavier sans même connaître les notes. C'est ce qu'on appelle avoir l' “oreille absolue“, ce qui me permet de m'accorder facilement aux gammes. Je me suis rendu compte que bien que l'éducation musicale classique ou toute autre forme de formation académique vous fournisse des méthodes pour travailler et vous exprimer, j'ai développé mes propres techniques. Lorsque je crée de la musique, c'est souvent une expression de sentiments intenses. Par exemple, hier soir, j'ai composé un morceau ambient en seulement trente minutes parce que j'étais parfaitement en accord avec mes émotions. Il ne s'agit donc pas toujours d'utiliser des outils ou des techniques spécifiques ; c'est plutôt une question de ressentis. C'est cela que je garde à l'esprit lorsque je crée ma musique. Ce n'est pas simplement une affaire de besoin d'un kick drum ou autre. Non, il s'agit de l'énergie, des fréquences et de la palette émotionnelle avec laquelle vous travaillez. C'est un langage universel.

Te rappelles-tu des moments ou événements clés qui ont lancé ta carrière musicale ?

Je me souviens précisément de l'instant décisif. C'était en 2017, lors de la création de mon premier album, Lenticular. Ce terme fait référence à un phénomène optique où la surface d'un objet semble changer quand on la regarde sous différents angles. Cela symbolise bien la manière dont nous percevons la vie à travers divers filtres. Ce concept est devenu le cœur de l'album. Je l'ai présenté lors du meet-up Ninja Tune au ADE, où j'étais l'une des trois femmes à soumettre une démo. J'étais extrêmement timide et je pensais qu'ils allaient détester. Mais Peter, du département A&R, est venu me voir en me disant : “Wow, qui es-tu ? Ta musique est incroyable, continue comme ça.“ Heureusement, à ce moment-là, un ami publiait sa musique chez CPU Records de Sheffield. Chris de CPU a accepté de sortir mon album. Je sautais de joie sur mon canapé en me demandant si c'était vraiment en train de se produire. L'album a été un succès et a même attiré l'attention d'un acteur du film Le Loup de Wall Street qui m'a contactée pour me dire combien il appréciait ma musique. Même quelqu'un de chez Ninja Tune m'a écrit pour me dire qu'il achèterait mes disques.

Par la suite, tout a commencé à s'enchaîner. J'ai eu des contrats, mais peu après, j'ai été gravement malade pendant quatre ans, ce qui m'a obligée à tout annuler. C'était une période terrible. Ma vie, mes amis, et ma perspective sur la vie ont changé. Avec du recul, je suis heureuse de cette épreuve car la jeune femme que j'étais alors n'était pas prête pour l'industrie musicale. Je disais oui à tout et c'était épuisant. Mais maintenant, je suis prête à surfer à nouveau sur la vague.

As-tu toujours été en mesure de poursuivre la musique à plein temps, ou y a-t-il eu un moment où tu as dû faire le grand saut et quitter ton emploi alimentaire ?

Beaucoup me posent cette question. C'est l'une des décisions les plus difficiles que j'ai prises. J'ai quitté l'école pour me consacrer entièrement à la musique. J'étudiais le design d'intérieur et l'architecture, mais je rendais seulement des projets en 2D, comme des vidéos accompagnées de musique. Mon professeur m'a dit : “Nadia, je ne pense pas que ce soit l'école pour toi.“ J'ai donc choisi de devenir freelance, sachant que mes compétences créatives seraient ma sécurité. Si la musique ne fonctionnait pas, je pouvais toujours me replier sur elles. J'ai appris à être développeur web et designer, et je me suis mise à écrire également.

J'avais des adresses e-mail séparées pour le graphisme et la musique, et j'ai remarqué que je recevais plus de messages pour la musique. Lorsque la pandémie a frappé, tous mes spectacles ont été annulés, mais je pouvais encore compter sur mes autres compétences. En Australie, j'ai travaillé chez Nikon en tant que designer de marque. Finalement, j'ai quitté mon emploi de jour, même avec un compte en banque presque vide. J'ai pris ce risque, même dans les moments difficiles.

Cette année, après un long parcours, j'ai pu me libérer de tous mes engagements contractuels. Je travaille désormais pour moi-même. C'est incroyable de voir à quel point les choses peuvent changer en seulement deux ans si vous restez concentré et croyez en vous-même.

Tu es également connue pour ta passion pour l'équipement musical. Quels étaient certains des facteurs influents qui ont contribué à cela ?

Mon père travaillait dans la technologie et ramenait toujours les derniers gadgets à la maison, ce qui a nourri ma passion pour la technologie. Instagram est devenu une plateforme où j’ai pu partager mon amour pour l'équipement musical, et mon compte a rapidement grandi alors que je partageais des connaissances et construisais une communauté autour de cela.

Examinons le Live Set que tu nous partages. Peux-tu nous éclairer sur ce qui a motivé le morceau et son titre, "Leelow Waters" ?

Quand je fais de la musique, je me retrouve souvent immergée dans une sorte de pays des fées - je ne suis même pas totalement présente dans le monde réel. J'habite mon propre monde rempli de créatures pleines d'espoir et inspirantes. Cela reflète un peu qui je suis ; j'adore Star Wars, Le Seigneur des Anneaux, et toutes ces histoires de science-fiction et de fantasy.

"Leelow Waters" est essentiellement un chapitre dans un concept de fantasy que je développe. Tous ces noms me viennent à l'esprit spontanément - ils apparaissent juste. Je pourrais probablement écrire tout un livre à ce sujet car c'est comme une peinture vivante dans mon esprit. En fait, je peins toute la scène avec ma musique.

Y a-t-il une méthodologie particulière qui sous-tend la manière dont tu as produit "Leelow Waters" ?

J'ai vu ce projet comme une opportunité de perfectionner mes compétences en logiciel à nouveau. Parfois, j'aime travailler dans la boîte ; cela peut activer ma créativité de différentes manières. Je suis généralement plus rapide avec le matériel, mais dans l'ensemble, ce morceau s'est juste assemblé différemment.

Les Drum Racks  semblent jouer un rôle important dans le projet. Vous avez choisi des kits intéressants avec des frappes nuancées, des bruits et des textures.

Oui, j'utilise souvent des sons des Drum Racks de la bibliothèque Ableton Live ; parce que je pense que vous n'avez pas toujours besoin de réinventer la roue. Parfois, j'aime créer des choses à partir de zéro ; cela semble thérapeutique. Mais d'autres fois, je veux juste composer. Je veux trouver des éléments qui résonnent avec mon âme, et ensuite je peux travailler rapidement. Je suis très rapide à composer. Je vois cela comme de la peinture. Je commence avec une couche de base, puis j'ajoute des couches de couleur par-dessus.

Rencontres-tu des blocages créatifs lors de la composition et si oui, comment les surmonter ?

Je crois fermement au pouvoir de la suppression. Plutôt que de rester bloqué dans une boucle, je rends la composition aussi complète que possible, puis je prends du recul pour évaluer si quelque chose doit être retiré ou ajouté. Mes morceaux ont tendance à être plus longs que courts, donc une autre fonction que j'utilise dans Ableton Live est "Supprimer le temps" (CTRL/CMD + MAJ + X). J'adore ça.

Les motifs de batterie dans votre morceau sont intrigants. D'où avez-vous tiré votre inspiration pour eux ?

Il y a plusieurs façons dont je fais mes batteries. J'ai un Push 3 que je mets en mode répétition, donc je peux juste répéter et doubler différentes frappes. Et encore, je rends les motifs de batterie vraiment complets au début, puis je supprime des choses jusqu'à ce qu'ils aient du sens.

Je transforme une boucle de batterie que j'aime en MIDI , donc j'ai le groove mais je peux utiliser mes propres sons.

Parfois, je veux juste obtenir de l'inspiration et c'est ce que j'adore chez Ableton Live 12. Il y a ces nouveaux outils MIDI génératifs qui peuvent vous donner beaucoup d'idées. Avant, je cliquais juste quelques notes dans la grille et écoutais. Mais maintenant, cela est devenu beaucoup plus facile à cause de toutes ces nouvelles fonctionnalités.

Enregistres-tu généralement ton propre finger-drumming sur Push 3 pour construire tes motifs ou préféres-tu utiliser la séquence pas à pas ?

Dans ce morceau, j'ai joué la plupart des batteries sur Push 3 en temps réel, puis j'ai copié les motifs MIDI sur d'autres pistes. Si vous regardez les pistes dans mon projet appelées DRUMS1 et DRUMS2, ce sont les mêmes parties MIDI mais j'ai choisi différents points de départ pour créer une sorte de polyrythmie.

Sur DRUMS2, j'ai utilisé des sons alternatifs parce que même si c'est le même motif, cela sonne totalement différent. Chaque échantillon a une attaque ou une libération différente, donc le timing change également. Cela crée juste cette groove différente. J'adore jouer comme ça.

Aussi, si vous regardez le premier Drum Rack, vous verrez que la cellule C1 est vide. C'est là que se trouvait la grosse caisse. Mais, je l'ai glissée-déposée sur un autre canal. J'extrais toujours la grosse caisse parce que je veux l'avoir propre. Ensuite, je peux mettre un compresseur dessus pour la renforcer sans affecter le reste de la batterie.

Le Push 3 a-t-il figuré dans d'autres parties de ton processus de création musicale ?

J'ai également utilisé le Push pour jouer des claviers, comme avec les pads Massive X, et pour enregistrer l'automation. Aussi, j'utilise le Push pour vérifier comment mes morceaux fonctionnent en live. Je rassemble tous les clips et éléments que je veux utiliser, puis je l'utilise comme un instrument live. Cela me permet de réfléchir à la façon dont je peux construire le morceau en temps réel. Après cela, je vais dans la vue Arrangement dans Live pour planifier la structure. J'aime aussi explorer les gammes avec le Push parce que, comme je l'ai mentionné, cela m'aide à comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas en temps réel. Cela me permet de cliquer moins et d'être plus expressive et intuitive avec le matériel.

Il y a des éléments de bruit statique et filtré intéressants dans ton morceau. Quelles techniques utilises-tu pour créer ces types de sons ?

Le truc avec le bruit, c'est qu'il occupe une grande partie du spectre de fréquences et je trouve que cela garde les choses intéressantes et pas trop répétitives. C'est pourquoi j'utilise beaucoup de textures de bruit. Je crois qu'il y a deux façons de travailler avec le bruit. L'une consiste à embrasser le hasard total, où il n'y a pas nécessairement un motif discernable. L'autre implique de créer un motif à partir du bruit, donc cela devient comme une partie des percussions. Vous pouvez entendre cette approche dans les morceaux d'artistes comme Alva Noto. Il crée des textures avec des bips subtils et des nuances qui semblent assez structurées. Ce que je fais souvent maintenant, c'est avoir un élément de bruit en tant que fichier wav. dans mon projet. J'utilise ensuite l'algorithme de warp Beat dans Live et la fonction Enveloppe Transitoire pour créer un effet de gating rythmique. Je suis fascinée par la mesure dans laquelle même les plus petits sons peuvent avoir un impact significatif.

Tu as utilisé l'effet Auto Pan sur beaucoup de pistes dans ton projet, quelle en est la raison ?

Oui, je l'adore, je l'utilise toujours. Donc, si vous y pensez, nous ne percevons jamais les sons comme statiques ; ils sont toujours en mouvement. Comme si vous entendez une voiture passer, son son est directionnel. J'essaie de créer cette expérience pour les gens. Si tous mes sons restent statiques, cela semble peu naturel. Cette approche fonctionne particulièrement bien avec les pads. Quand vous ajoutez du mouvement à ceux-ci, ils deviennent comme l'océan ; comme des vagues. Donc, ce n'est pas juste la fréquence du son ; c'est aussi sa position dans l'espace. J'utilise presque toujours l'effet Auto Pan  pour créer du mouvement. Il est vraiment facile à utiliser et ne consomme pas trop de CPU. J'utilise aussi le Delay ping-pong parce qu'il ajoute un subtil mouvement de va-et-vient aux sons. Si tout est au centre, cela devient difficile de mixer votre morceau car cela résulte en une grosse boule de fréquences à un seul endroit.

Lors de la conception de musique pour un système de club, il n'y a pas beaucoup de place pour le panoramique, n'est-ce pas ?

C'est vrai, dans un environnement de club, c'est généralement tout en mono. C'est pourquoi je vérifie toujours mon mix en mono. Si cela fonctionne toujours, je sais que c'est un bon mix.

Nadia, merci d'avoir parlé avec nous aujourd'hui. Avant de partir, qu'est-ce qui se trame à l'horizon pour toi pour le reste de 2024 ?

Je lance mon nouveau label, Distorted Waves, sur lequel Leelow Waters est sorti. Il y a beaucoup de spectacles à venir pour lesquels je suis reconnaissante ; donc l'été sera mouvementé. Ensuite, je vais me diversifier avec l'école de musique que je construis. Je suis déjà en train de la concrétiser. En termes de sorties, espérons un deuxième album et beaucoup de collaborations à venir. Je pense que c'est une année volante et je vole heureusement avec elle.

Suivez Nadia Struiwigh sur Instagram, Facebook et SoundCloud

Texte et interview par Joseph Joyce

Photographie par Palma Llopis

Une version de cet article est apparue sur XLR8R.