Jennifer Lee, alias TOKiMONSTA, spielt seit ihrer Kindheit klassisches Klavier und widersetzte sich allen Erwartungen, um Teil von Project Blowed zu werden, einem Open-Mic-Workshop für Rapper in L. A.. Die aufstrebende Musikerin arbeitete eine Zeit lang für einen Videospielverlag, bevor sie sich entschied, sich hauptberuflich der Musik zu widmen. Sie schloss ihr Studium an der Red Bull Music Academy ab und veröffentlichte ihre erste instrumentale Hip-Hop/Grime-EP Cosmic Intoxication (2010). Lee war die erste Frau, die bei Flying Lotus‘ einflussreichem Label Brainfeeder unterschrieb und brachte bald darauf das von Kritikern gefeierte Album Midnight Menu sowie die EP Creature Dreams heraus.

Im Jahr 2014 bekam Lee die schockierende Diagnose, dass bei ihr eine potenziell tödliche Gehirnerkrankung vorliege. Nach einer Operation und Aphasiesymptomen erholte sie sich glücklicherweise vollständig und erhielt 2017 sogar eine Grammy-Nominierung für das elektronische Dance-Album Lune Rouge . In den darauffolgenden Jahren blühte Lees Karriere auf und sie veröffentlichte reihenweise nie-gehörte Variationen von Hip-Hop und Dance-Musik, während sie bei großen Festivals weltweit auftrat. Die neueste LP von TOKiMONSTA, Eternal Reverie, ist geprägt von einem organischeren Dance-Sound mit dezenten Samba- und Soul-Einflüssen.

Wir haben uns mit TOKiMONSTA getroffen, um über die Entstehung ihres neuen Albums, die Entwicklung ihres Sounds, ihre bevorzugten Sampling-Techniken, Live-Auftritte und den Aufbau ihrer Karriere zu sprechen. Wir erfahren von ihr, wie sie die neusten musikalischen Entwicklungen bewertet. Obendrauf stellt sie einige ausgewählte Loops und Sounds aus ihrem Studio als kostenlosen Download zur Verfügung.

Du hast dir eine Pause von Live-Auftritten genehmigt, um dich ausschließlich auf die neue LP Eternal Reverie zu konzentrieren. Hat deine Musik unter dem anstrengenden Tourleben gelitten?

Meine Meinung dazu hat sich im Laufe der Jahre geändert. Am Anfang war es für mich unmöglich, neben Live-Auftritten kreativ zu sein, weil Touren von Natur aus sehr stressig ist und man sich jeden freien Moment ausruhen oder vom Tourleben erholen muss. Mittlerweile bin ich besser darin, unterwegs kreativ zu sein und mich auszubalancieren. Aber um dorthin zu gelangen, musste ich viele Schritte unternehmen. In den letzten ein, zwei Jahren habe ich bewusst beschlossen, nicht jedes Wochenende als DJane rauszugehen. Das hat mir geholfen, ein gewisses Gleichgewicht zu finden und mich auch unterwegs inspiriert zu fühlen, den Laptop aufzuschlagen und Ideen aufzuschreiben. Ableton hat mir durchaus geholfen, Ideen so schnell wie möglich umzusetzen, sodass ich sie zu 90 % direkt ausarbeiten kann.

Der Sound von TOKiMONSTA hat sich seit deiner Debüt-LP Midnight Menu erheblich verändert. Liegt das eher dran, dass du deinen Produktionsprozess laufend änderst oder an dem Wunsch, mit verschiedenen Stilen von elektronischer Musik zu experimentieren?

Ich würde sagen, es ist eine Kombination aus beidem. Aber viel hängt auch davon ab, dass man sich im Laufe der Jahre verschiedene Skill Sets zulegt. Vor 15 Jahren wusste ich noch nicht einmal, wie Komprimierung funktioniert. Damals dachte ich mir,  das Baby klingt super. Lass es uns einfach draufklatschen. Dabei habe ich nicht mal gemerkt, dass Teile des Tracks dadurch an Dynamik verlieren. Als Produzentin oder Produzent muss man eine natürliche Lernkurve durchlaufen. Aber ich bewundere die Künstlerin, die ich war, als ich Midnight Menu “ veröffentlicht habe. Denn mittlerweile bin ich mit einem gewissen Wissensstand belastet.

Ist es dir ein Anliegen, bestimmte Dance-Musik-Trends im Auge zu behalten, oder würde dich das ablenken?

 Ich beschäftige mich von Natur aus mit Trends, da ich ständig auf Festivals und in Clubs bin und gerne sehe, was meine Peers so machen. Einige meiner besten Freunde sind unglaubliche Musiker und ich betreibe auch ein Label. Darum ist es wichtig, immer auf dem Laufenden zu sein – nicht aus Wettbewerbsperspektive, sondern als Musikfan. Ich liebe es, zu wissen, was in dieser neuen Welt da draußen abgeht, in der sich BPMs und Sounds ständig ändern. Und ich nehme an, dass ich wie jeder Musikfan davon beeinflusst werde, aber manchmal reagiere ich auch genau gegenteilig. Wenn die BPMs schneller werden, mache ich meine langsamer. Oder wenn alle anfangen, zu überproduzieren und super-schillernde Musik zu machen, vereinfache ich meinen Prozess und kehre zur Bandsättigung zurück, damit alles etwas dirtyer klingt. Und ungefähr dort bin ich mit dem neuen Album gelandet. Es ist eine Reaktion auf bestimmte Arten moderner Tanzmusik und entspricht meinem Wunsch, etwas Neues auszuprobieren.

Du hast mal gesagt, dass TOKiMONSTA eher ein Arbeitstitel als ein bewusst gewählter Künstlername war. Im Laufe der Zeit hast du aber gemerkt, dass du dich gern dem beugst, wofür TOKiMONSTA auch immer in deinen Augen steht?

Nicht bewusst. An TOKiMONSTA war das Interessante, dass niemand meine Musik wirklich verstanden hat, als ich sie zum ersten Mal geteilt habe. Ich war in einer recht seltsamen Welt zuhause, in der Festivals und Booker mich auf die Dubstep-Bühne gestellt haben, obwohl ich keinen Dubstep gemacht habe., Oder in der sie mich manchmal auf die Hip-Hop-Bühne schickten und ich dachte, na ja, ich bin auch nicht wirklich Hip-Hop. Es gibt immer noch einen Teil von mir, der nicht mit der Masse mitgehen will und der immer wieder an Grenzen geht, um in meiner eigenen seltsamen Kategorie zu bleiben. Für mich repräsentiert TOKiMONSTA das „Andere“. Das kann beinhalten, etwas Riskantes, Seltsames, Bahnbrechendes oder Zukunftsweisendes zu tun. Die Form von Musik verändert sich ständig. Wer weiß schon, was morgen als merkwürdiges oder konventionelles Genre gilt?

Könntest du für alle, die gespannt auf die neue LP warten, ein paar Einblicke geben, wie dein Sound sich entwickelt hat?

Ich würde sagen, Eternal Reverie ist sowohl eine Entwicklung wie auch eine Rückentwicklung, die beide darauf basieren, dass Musik mittlerweile allgemein überproduziert wird. In gewisser Weise ist es das, was moderne Musik so befriedigend macht. Aber für mich fühlte es sich an, als ob ich in diese Richtung gedrängt oder gelockt werde. Ich habe mir ganz bewusst ältere Arbeiten wie Midnight Menu und Creature Dreams noch einmal angehört. Bei denen wusste ich noch nicht, ob ich meine Musik zum Beruf machen kann und habe mich quasi von mir selbst inspirieren lassen. Ich würde sagen, es gibt auf dieser Platte mehr Breaks und Sample-Cut-Ups. Und dass sie ein bisschen tanzbarer, analoger und klassischer geworden ist und mich an meine Wurzeln erinnert.

Gibt es Elemente aus deiner klassischen Ausbildung, die beim Komponieren und Produzieren geholfen haben?

Ich war definitiv kein großer Fan von meinen Klavierstunden, aber ich bin sehr dankbar, dass ich sie hatte – was für ein Geschenk und Privileg! Meine Mom war, was den Unterricht anging, ganz schön unentspannt. Ich hätte ihn unter anderen Umständen vielleicht geliebt. [lacht] Aber das Wichtigste, was ich aus dieser Ausbildung mitgenommen habe, ist die Erkenntnis, dass ich Geschichten erzähle, wenn ich Kompositionen spiele. Es gibt einen Anfang, eine Mitte und ein Ende. Manche Teile wiederholen sich absichtlich – und die Stimmung ist natürlich ein wichtiges Element der klassischen Musik. Als ich anfing, Musik zu machen, habe ich Hip-Hop-Beats gemacht und wollte der nächste RZA werden, aber mit mehr Gefühl. Der Wu Tang Clan war meine Lieblingsgruppe. Ich wollte, dass die Musik einen irgendwohin mitnimmt, und das ist etwas, das ich aus der klassischen Musik übernommen habe und das ich sehr ernst nehme, wenn ich im Studio sitze und in Ableton arrangiere.

Auf der LP gibt es eine Reihe von Gesangskollaborationen. Wusstest du schon, mit wem du zusammenarbeiten willst oder war die Art der Songs ausschlaggebend dafür?

Das hing schon vom Song ab, aber es hat auch geholfen, wenn ich vorher bereits mit einem bestimmten Künstler zusammengearbeitet hatte. Manchmal habe ich angefangen, an irgendwas zu arbeiten und dabei schon gedacht: das ist ein Track für Gavin Turek. Oder: den hier könnte ich mit Anderson .Paak machen. Der hat tatsächlich eine interessante Geschichte, denn den Track hatten wir schon vor etwa fünf Jahren und Brandon meinte, er würde ihn während Covid auf sein Album packen, aber aufgrund von Komplikationen landete er schließlich auf meinem. Andere Kollabos kamen durch mein Management oder durch Freunde zustande. Ich merke sehr schnell, wenn mich die Kunst von jemand anderem inspiriert, sei es Mez, Grouptherapy oder Kaelin Ellis, der auch ein witziges Beispiel war. Jemand hatte seine Musik auf Spotify empfohlen. Also habe ich ihn auf Instagram gesucht, gesehen, dass er ein stabiler Produzent ist, der tolle Musik macht, und ihn kontaktiert.

Für den Track Death by Disco Part Two bist du nach Brasilien geflogen, um eine Platte zu samplen?

Nun, ich bin nach Sao Paulo geflogen, um bei einem Festival zu spielen – vielleicht war es das Lollapalooza oder das Primavera. Aber ich war sowieso in Brasilien und mein Freund und Manager meinte, es wäre doch cool, einfach ein bisschen durch die Straßen zu laufen. Wir hatten nicht viel Zeit, aber wir haben da einen Typen mit lauter Kisten voller Vinyl und einem wirklich miesen Plattenspieler gestehen. Es hat uns berührt, wie besonders jede dieser Platten für ihn war. Er wiederum fand es toll, dass ich mit meinem Stil brasilianische Musik in den Fokus nehme. Daher war es echt besonders, Samples aus seinem Fundus in meine Musik einzubauen und damit irgendwie den Kreis zu schließen.

Bist du generell ein Fan von Samples und baust Sample-Bibliotheken, um Sounds für spätere Einsätze zu sammeln?

Das war schon immer Teil meiner Arbeitsweise, schon seit ich meinen ersten Plattenspieler hatte. Ich bin in 1-Dollar Shops und auf die Flohmärkte in LA gegangen, habe mir dort alle Platten angeschaut und sobald ich irgendwas gehört habe, das ein Loop sein könnte, habe ich die Platte mitgenommen. In gewisser Weise ist es ein sehr administrativer Vorgang, wenn ich Platten durchhöre und einzelne Parts aufnehme, wie etwa Bläsersatze oder irgendwelches kleineres Geklimper. Anschließend kategorisiere ich alles. Manchmal kriege ich aus einer Platte nur ein einziges brauchbares Sample. Aber das ist ok, denn wenn ich mit dem Produzieren loslege, kann ich mich aus einer ganzen Bibliothek mit Samples bedienen und fange einfach an, sie in die Tracks einzufügen.

Bist du ein Fan von Außenaufnahmen?

Ich liebe Außenaufnahmen und habe normalerweise immer einen kleinen Handrekorder dabei. Aber je nach Kontext reichen auch Aufnahmen mit meinem Telefon. Zum Beispiel, um Sounds festzuhalten, die ich dann mit Snares überlagere, um interessante Drums zu erzeugen oder um Stimmungen reinzubringen. In dem Sample-Paket, das ich euch zur Verfügung gestellt habe, ist ein Sink Water Stem enthalten, den man einfach in einen Chorus einfügen oder in ein Max for Live-Plugin packen kann, zum Beispiel in mein Lieblings-Plugin „Spectral Blur“.

Die kostenlosen Loops von TOKiMONSTA herunterladen

Auf welches Equipment vertraust du, wenn du die Basis für einen Track schaffen willst?

Normalerweise beginne ich mit der Ideenfindung auf meinem Sofa im Wohnzimmer und nutze dabei Ableton und ein paar Plug-ins von Drittanbietern. Ich habe mir ein fixes Template gebaut, sodass ich, immer wenn ich Ableton aufmache, ein benutzerdefiniertes Drumkit mit ein paar verschiedenen Kicks und Snares habe, mit dem ich Ideen skizzieren kann. Manchmal öffne ich einen MIDI-Synthesizer, schreibe Akkorde auf und schaue, wohin mich das führt. Und manchmal beginne ich mit einem Beat, weil ich einen Rhythmus im Kopf habe, den ich rauslassen möchte. Ab und zu fordere ich mich gerne selbst heraus und bewege mich in einen bestimmten BPM-Bereich, in dem ich normalerweise keine Musik mache, nur um zu sehen, was ich darin erreichen kann.

Welche Elemente von Ableton sind für deinen Arbeitsprozess von entscheidender Bedeutung? Also zum Beispiel vom Interface-Design her oder gibt es bestimmte Plug-Ins, die du gerne benutzt?

Eine der wichtigsten Funktionen, die ich schon in jeder möglichen Weise eingesetzt und genutzt habe, ist Sample Warping. Wenn ich Samples von Vinyl aufnehme oder auch wenn ich selbst Sachen recorde, ist die Warping-Funktion ein richtiger Gamechanger. Ich habe bisher nirgendwo sonst eine andere Version davon gesehen. Die Art und Weise, wie Ableton mit Sampling, Pitch-Sampling und Resampling umgeht, ist hervorragend. Ich kann zum Beispiel nicht besonders gut Gitarre spielen. Ich weiß, was ich an dem Instrument mag und wünschte, ich hätte jetzt schon die Fähigkeiten, die ich erreichen möchte. Aber dank Ableton und ein paar Produktions-Tricks kann ich durchaus wie eine sehr gute Gitarristin klingen.

Und live?

Performance-technisch ist es unentbehrlich. Egal, ob auf dem Coachella, dem Primavera oder dem Sonar, ich habe immer Ableton benutzt und mit einem MIDI-Controller gespielt. Mir gefällt die Unmittelbarkeit, aber auch die Art und Weise, wie es mir hilft, mein Producer-Hirn in mein Performer-Hirn zu übertragen, weil ich ja von Haus aus keinen DJ-Hintergrund habe. Ich mag die Arbeitsweise von DJs. Aber funktional schaue ich auf Musik eher wie eine Komponistin oder die Dirigentin eines Orchesters. Ableton ermöglicht es mir, Instrumente einzusetzen, sie nach Belieben zu trennen und die musikalische Reise zu gestalten, auf die ich die Leute mitnehmen möchte.

Wie viele andere Producer, bist auch du im Laufe deines Studiolebens scheinbar neugierig darauf geworden, was Hardware ausmacht.…

Manchmal sammle ich Gear, weil ich bestimmte Ziele verfolge. Und manchmal sammle ich einfach Sammelns wegen. Ich hatte eine Zeit lang ein modulares System, das ich sehr mochte. Aber ich wollte nicht wirklich Musik damit machen [lacht]. Ich habe ja ein echtes Klavier in meinem Wohnzimmer, also nehme ich dort manchmal Sachen auf einem winzigen MIDI-Controller auf. Aber manchmal fange ich auch mit meinen Synthesizern an und nehme sie in Ableton auf. Ich habe überall bei mir zu Hause Equipment – kleine Schlagzeuge, Drumcomputer oder Taschenversionen von irgendetwas. Aber im Studio stehen nur die großen Sachen.

Du hast zum ersten Mal einen Tontechniker an Bord geholt. War es schwer für dich, jemand anderem die Kontrolle über den Aufnahmeprozess zu überlassen?

Das Mischen ist ein wesentlicher Skill, wenn man elektronische Musik produziert: egal, ob man wie Skrillex drauf aus ist, dass alles richtig knackig klingt, oder wie Bicep, allem einen dynamischeren und runderen Sound geben will. Diese Skills sind wichtig und ich hatte schon immer meine eigene Klangsignatur. Darum war es eine kleine Herausforderung, meine Vision an jemand anderen zu delegieren. Manche Sachen fand ich nice, zum Beispiel, dass ich mir keine Gedanken darüber machen musste, ob eine Kick-Drum so klingt, wie ich es wollte. Aber bei anderen Dingen bin ich sehr eigen und hatte ein schlechtes Gewissen, wenn ich dem Mix-Engineer, der in Australien lebt, ständig Nachrichten schicken musste. Vielleicht bin ich in Zukunft zu mehr Kompromissen bereit, da ich den Mixing-Prozess als äußerst qualvoll für meine geistige Gesundheit empfinde.

Beurteilest du Erfolg eher anhand von Verkaufszahlen oder mit deiner persönlichen Zufriedenheit mit einer Platte, wenn sie deiner ursprünglichen Vision entspricht?

In einer perfekten Welt würde ich mich ausschließlich auf meine eigene Zufriedenheit verlassen und darauf, ob ein Song meine künstlerische Stimme widerspiegelt, wenn ich ihn mit der Welt teile. Aber Musik ist auch mein Job und ich bin davon abhängig, um meine verrückte Katze und einen extrem hungrigen Hund zu füttern und einfach zu leben. Also ist das Ganze wichtig, aber ich erinnere mich immer selbst daran, dass der wichtigste Aspekt meines Schaffens die Befriedigung sein sollte, die es mir als Künstlerin gibt. Denn wenn man das aus den Augen verliert, wird die Musik wahrscheinlich auch nicht mehr so gut. Niemand braucht zwei, drei oder vier Versionen desselben Musikers, der sich total reinhängt – wenn man keinen eigenen Stil oder keine eigene Botschaft hat, dann wird man nicht bestehen.

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Text und Interview: Danny Turner
Fotos mit freundlicher Genehmigung der Band